El Cine de Hollywood

Trailer de la segunda temporada de Juego de Tronos

2012-01-30T13:20:00.007+01:00

Se acabaron los avances sobre decorados, escenarios, y otras cuestiones técnicas. Por fin llega el primer trailer de la nueva temporada de Juego de Tronos, que adaptará la segunda novela en la aclamada saga creada por George R.R. Martin.

Tyrion Lannister convertido en la Mano del Rey, Jon Snow adentándrose en las inhóspitas tierras de más allá del muro, cuatro reyes autoproclamados enfrentados, y Daenerys Targaryen buscando aliados en Oriente para recuperar el Trono de Hierro... ¿ alguien da más ?

Tras la cámara se encuentra un especialista: la aportación de Dale Dye

2012-01-27T11:00:00.000+01:00

El cine bélico y de acción, que se ha producido en los últimos 25 años, le debe mucho al Capitán Dale Adam Dye.

Nacido en 1944 en Cape Girardeau (Missouri), Dye se alistó en el cuerpo de Marines en 1964 y sirvió en la Guerra de Vietnam donde consiguió la Estrella de Bronze por el valor demostrado en combate. También obtuvo tres Corazones Púrpura además de otros múltiples reconocimientos que pueblan su impecable hoja de servicios.

Retirado del servicio en 1984, Dye decidió poner en marcha una empresa de asesoramiento técnico (Warriors Inc.) al servicio de la industria del cine y la televisión. El primero en reclutarle fue Oliver Stone quien le ofreció el puesto de asesor técnico en Platoon (1986). Con esta película, Dye inició también una faceta de actor de apoyo que se ha ido consolidando a lo largo de los años demostrando su carácter polifacético.

En total, ha intervenido como actor en 36 películas siendo, en la mayoría de ellas, el technical advisor. De su excelente labor podemos destacar los siguientes títulos: Nacido el 4 de Julio, Corazones de Hierro, JFK (donde interpreta a uno de los generales que habrían conspirado contra Kennedy), Alerta Máxima, El Cielo y la Tierra, Asesinos Natos, Estallido, Misión Imposible, Salvar al Soldado Ryan, Spy Game, Alejando Magno, y Knight and Day.

Paralelamente, su trabajo de interpretación y asesoría también se ha podido vislumbrar en la televisión con series como Hermanos de Sangre, The Pacific, y Falling Skies.

Dye se ha asegurado el objetivo de aportar realismo a las producciones bélicas y de acción en que ha participado como asesor. Sin duda alguna, su trabajo más reconocido fue el que realizó en Salvar al Soldado Ryan (1998) donde se encargó de someter al grupo de actores principales a un intenso periodo de entrenamiento en el que vivieron como auténticos soldados de combate. Cuando la película empezó, Tom Hanks, Edward Burns, Tom Sizemore, Barry Pepper, Giovanni Ribisi, Adam Goldberg, Vin Diesel, y Jeremy Davies, habían conocido de primera mano la dureza de la vida de un militar en campaña y aportaron esa tensión a sus papeles para hacerles más verosímiles en el marco de un film que reinventó el cine bélico a través, precisamente, de esa puesta en escena realista que Steven Spielberg siempre quiso conseguir.

Aunque el entrenamiento destrozó literalmente a los actores y muchos de ellos soñaban con destruir al cruel instructor, Tom Hanks trabó mucha amistad con él y le ha incorporado a varios de sus trabajos posteriores, incluso dándole un papel en su más reciente largometraje como director: Larry Crowne.

El esfuerzo ímprobo realizado por Dale Dye le otorga un puesto destacadísimo en el Olimpo de los grandes asesores técnicos de la historia del séptimo arte.

Maestros de la luz: Janusz Kaminski

2012-01-26T09:00:00.001+01:00

"I was watching television one day and I saw his name on a TV movie called Wildflower that was beautifully photographed, so I called up Tony Thomopoulos, head of my TV department. I was thinking about using Janusz for Schindler's List and I wanted to test him. So, I asked Tony would he consider hiring him to do a pilot we produced called The Class of '61, about the Civil War. And the director agreed to use Janusz and he was great. I offered him the post of director of photography on Schindler's List and I did not need anyone else ever since. Janusz is magnificent."

Steven Spielberg

Así fue como Spielberg conoció el trabajo de este gran técnico del séptimo arte que es Janusz Kaminski. Hasta ese momento, el Rey Midas de Hollywood no había encontrado a un director de fotografía de preferencia fija. Parecía necesitar el equivalente de John Williams en la música o de Michael Kahn en el montaje.

Había colaborado con Bill Butler, Vilmos Zsigmond, Allen Daviau, William Fraker, Douglas Slocombe, Mikael Salomon, y Dean Cundey pero parecía que con ninguno quería contar de forma estable (aunque con Daviau llegara a rodar tres películas). Pero su interés por contratar a Kaminski y permitirle debutar en la fotografía de una gran producción, pareció cambiar el destino de ambos.

Janusz Kaminski había nacido en Ziebice (Polonia) en 1959, aunque vivía en los Estados Unidos desde los 21 años pues tuvo la posibilidad de emigrar antes que el régimen de Wojciech Jaruzelski recrudeciera su yugo e implantara la ley marcial.

Entre 1982 y 1987 estudió en el Columbia College de Chicago y después realizó estudios complementarios de cinematografía en el American Film Institute de Los Angeles. Allí conoció a otro avezado estudiante que se acabó convirtiendo en su primer ayudante técnico cuando empezó a trabajar en televisión. Se trataba, nada más y nada menos, que de Wally Pfister quien, con el tiempo, acabaría siendo también un excelente director de fotografía (asiduo colaborador de Christopher Nolan).

Y así fue como, en 1991, llamó la atención de Spielberg y se inició una fructífera colaboración profesional que sigue plenamente vigente. Kaminski ha sido el responsable de la fotografía en 13 de los catorce largometrajes que el de Ohio ha realizado desde 1993. Solo faltó en Tintín donde, por razones obvias, su presencia no era necesaria.

Ha sido reconocido con dos Oscar por la dirección de fotografía de La Lista de Schindler (1993) y Salvar al Soldado Ryan (1998). Su estilo visual se ha combinado con la creatividad y talento de Spielberg para crear escenas absolutamente inolvidables en películas como Amistad, Inteligencia Artificial, Minority Report, Atrápame si Puedes, La Terminal, La Guerra de los Mundos, etcétera. Su estilo personal de iluminar le ha conferido a las secuencias una intensa y rica variedad cromática que brilla especialmente en los primeros planos.

Sobre su estrecha colaboración con Spielberg, Kaminski afrima lo siguiente:

"We kind of know what's going to happen. You kind of know what the shots are going to be. You kind of know what to expect. There's no mystery. If something looks really good to me, I know that he's going to see it as well, and we're going to go for it."

"I think they're emotions. He just does it at the right time, when he wants to evoke those emotions. And he knows so much about emotions -- human emotions. I think that's why his movies are so successful: because we can all identify with those emotions, and we can really clearly see those emotions on the screen. But it's not just the one shot. It's a sequence of shots that allows you to make it so much different then. You can imitate his shots, but you can't imitate every shot. His trademark is also wide shots -- especially wide shots where you have explosions or special effects. He likes to give the audience the thing happening in one take, right in front of you without editing. Because the moment you cut, you're cheating."

Su entrada por la puerta grande de Hollywood, con Oscar incluido, le convirtió en uno de los técnicos más respetados de la industria y, durante estos años, también ha trabajado con otros directores llegando incluso a debutar como realizador con la película Poseídos (Lost Souls, 2000). Pero no cabe duda que donde reside su talento es en la iluminación de escena y en esta tarea sigue destacando sobremanera. Tras ocuparse de la fotografía de War Horse, Spielberg y él acaban de finalizar el rodaje de Lincoln, uno de los títulos de referencia para finales de este año. Después vendrá Robocalypse y quién sabe cuantas más.

Si en un artículo reciente repasábamos los datos más importantes en la carrera de uno de los clásicos (William Daniels), en esta ocasión hemos hablado de uno de los genios en activo. Uno y otro representan la continuidad de un legado de talento profesional que ha permitido al cine brillar como nunca en la pantalla grande.

Bajo el influjo del Pacífico: reflexiones sobre Los Descendientes

2012-01-24T09:00:00.000+01:00

En algunas ocasiones, las películas pueden llegar a cautivarte por su cadencia, por un ritmo que es capaz de imponerse al mismo argumento de la cinta. Son films que se caracterizan por una narración que fluye como la corriente de un riachuelo: sin sobresaltos pero con un devenir constante. Este es el caso de Los Descendientes.

El nuevo proyecto de Alexander Payne (Election, A Propósito de Schmidt, Entre Copas) nos introduce en las consecuencias que debe afrontar Matt King (George Clooney) tras el accidente náutico que ha dejado a su esposa en coma. Lo que inicialmente es una premisa argumental de aparente sencillez se va convirtiendo en algo mucho más complejo a medida que la película se va desarrollando. El punto de partida es una excusa que permite explorar cuán intrincado puede llegar a ser el laberinto de las relaciones humanas.

No es mi intención la de espoilear. Solo diré que, a partir del conocimiento de un suceso turbador del pasado, Matt King pasará de la preocupación al duelo mientras trata de enmendar los sentimientos contradictorios que siente por su mujer ausente. Su intención será la de tratar de cerrar las heridas con el fin de superar el suceso. Tanto él como sus hijas necesitarán agarrarse a ese propósito de enmienda, al que antes aludía, como única forma de seguir adelante con sus vidas sin secuelas emocionales irreparables.

Por consiguiente, estamos ante una película plagada de sentimientos muy íntimos que no podrían llegar de una forma tan nítida al espectador si no fuera por la brillante intepretación de George Clooney. Él es el alma del film y, a través de su vivencia firme y optimista, se nos abre la posibilidad de explorar los profundos abismos que deberá superar para mantener unida a su familia.

Suscribo los comentarios precedentes que han catalogado la interpretación de Clooney como la mejor de su carrera. No creo que puedan existir dudas sobre ello. En este aspecto, debo añadir que es la primera vez que le he visto actuar alejándose de sus clásicos tics al estilo de Spencer Tracy y Clark Gable. Unas maneras que se han acabado convirtiendo en icónicas gracias a sus trabajos como hombre de nespresso. Su performance en Los Descendientes es la más natural de su filmografía y la capacidad que demuestra para expresar sus sentimientos es digna del mayor de los elogios.

Adaptando la novela homónima de Kaui Hart Hemmings, Alexander Payne y los guionistas Nat Faxon y Jim Rash, aprovechan la oportunidad para introducirnos en un entorno geográfico que resulta siempre apasionante: el archipiélago de Hawaii. El ritmo menos estresante que preside la vida isleña impregna el film hasta el punto de otorgarle un cierto aire relajante que se ve reforzado, además, por la interesante selección de canciones autóctonas que pueblan la banda sonora de la cinta.

Matt King debe lidiar, además, con la futura venta de un paradisíaco terreno que ha pertenecido a su familia durante casi un siglo y medio. La curiosa configuración de sus parientes (un numerosísimo grupo de primos que, en su mayoría, sueñan ya con el dinero que obtendrán en la transacción) ofrece alicientes extra a un argumento que nunca pierde el foco principal pero que es capaz de incluir subtramas que lo hacen más interesante y completo. Finalmente, acabaremos asistiendo a una lección de vida en varios aspectos. Y nadie podrá salir diciendo que las decisiones que irá tomando Matt King no sean las más adecuadas ante el terremoto emocional que le toca vivir.

Por todo lo expuesto, el valor de la película es inmenso aunque el espectador debe ser consciente de que va a presenciar un conmovedor relato contemporáneo donde la pausada trama se toma su tiempo para ir desgranando las situaciones. La experiencia vale la pena porque la sensación final es la de haber formado parte de un recorrido mágico por unas islas de ensueño.

"Don't mess with Sam Crow, they are the Charming law"

2012-01-20T08:00:00.003+01:00

"Sons of Anarchy is a motorcycle club. I haven't been charged with a crime, gun-related or otherwise, in over seven years. I'm a mechanic and a motorcycle enthusiast..."

Clay Morrow

Así se expresa el Presidente de Sons of Anarchy cuando es interrogado por la agente Stahl de la ATF (Bureau of Alcohol, Tobacco, Firearms and Explosives). Pero, como bien saben las dos partes, ese discurso se aleja mucho de la realidad. Desde hace décadas, la banda de moteros utiliza su implantación mundial para enriquecerse con el tráfico de armas ilegales. Las armas de fuego llegan a Estados Unidos a través de barcos procedentes de Irlanda, donde Sons of Anarchy mantiene fuertes conexiones. Después, una vez ensambladas, son vendidas a diferentes clanes criminales.

Pero ninguna actividad ilegal tiene lugar dentro de los límites de Charming (California). Ese es el acuerdo que existe con el jefe de policía. Y todo aquél que trate de introducir el tráfico de drogas, o la extorsión en cualquiera de sus múltiples formas, deberá verselas con Sam Crow (un nombre colectivo que responde a las iniciales del grupo fundador: Sons of Anarchy Motorcycle Club Redwood Originals).

Fundado por John Teller y "Piney" Winston en 1967, tras regresar de su servicio en Vietnam, SAMCRO ha ido perdiendo los valores que le caracterizaron en su inicio. La rebeldía y las ansias de libertad que agruparon a moteros de todo el país entorno a un ideal colectivo, han desaparecido. Ahora, bajo una tapadera legal de talleres mecánicos, se esconde una red de criminalidad que provoca el permanente seguimiento de las autoridades federales y una rivalidad creciente con otros grupos radicales como los Mayans, la Liga de la Supremacía Blanca, y otras bandas que operan al margen de la ley.

Este constante acoso deriva en una lucha continuada por mantener las cuotas de poder y de negocio. Por eso cuando el hijo de John Teller, "Jax" (Charlie Hunnam), descubre un manifiesto original escrito por su padre en el que éste se lamenta de la caída de los valores del club, inicia un enfrentamiento con Clay Morrow (Ron Perlman). Sin duda alguna, esta es una buena premisa para construir una narración, dura y contundente, del día a día de una banda criminal en plena crisis de identidad.

La configuración de los personajes otorga a la trama un aliciente importante puesto que te permite sumergirte aún más en el mundo de estos moteros con doble vida.

En cualquier caso, la paz en Charming se mantiene aunque sigue pendiendo de un hilo muy endeble. ¿ Serán capaces los SOA de prevalecer ante la batalla que se avecina ?

Maestros de la luz: William Daniels (1901-1970)

2012-01-19T08:00:00.002+01:00

Dentro de la historia del cine, se considera a William Daniels como uno de los pioneros de la dirección de fotografía. Y lo fue porque, al igual que otros grandes del gremio como George Barnes, Ernest Haller, Arthur Edeson, o Leon Shamroy, inició su carrera en el cine mudo y después supo transicionar hacia el sonoro para convertirse también en un valor seguro. Fue un técnico de primer nivel, los mejores directores de Hollywood querían tenerle a su lado para que se encargase de la iluminación y los encuadres.

También las estrellas del momento querían tenerle en el set para asegurarse de que resplandecerían adecuadamente en pantalla. El caso más evidente fue el de Greta Garbo que siempre hizo valer su influencia para que Daniels fuera el iluminador de sus películas. Definido hasta la saciedad como el creador de la imagen fílmica de la actriz sueca, Daniels fue capaz de sobresalir en su profesión gracias al enorme conocimiento técnico que consiguió desplegar.

Entre 1922 y 1970 (año de su muerte), se encargó de la dirección de fotografía en más de 160 películas y trabajó bajo las órdenes de grandes realizadores como King Vidor, Clarence Brown, George Cukor, Rouben Mamoulian, Raoul Walsh, Ernst Lubitsch, Douglas Sirk, Anthony Mann, Richard Brooks, Vincente Minnelli, Frank Capra, John Sturges, y Mark Robson, entre otros.

Fue nominado en cuatro ocasiones para los premios Oscar y se llevó la estatuilla en 1948 por su trabajo en La Ciudad Desnuda, de Jules Dassin.

Daniels es el primero de una importante lista de directores de fotografía que, poco a poco, irán siendo revisados en el blog. De todas sus películas, yo me quedo con La Gata sobre el Tejado de Zinc (1958), por la enorme labor que realizó al crear imágenes icónicas de Elizabeth Taylor y Paul Newman, sacando provecho del imponente atractivo físico de ambos. Unas imágenes que permanecerán en la memoria cinéfila para siempre.

"Hold me Closer, Tiny Dancer"

2012-01-17T08:00:00.001+01:00

En 1971, Elton John y su letrista de siempre, Bernie Taupin, compusieron Tiny Dancer. Esta canción se incluyó en el cuarto disco del cantante, titulado Madman Across the Water. Aunque, en un principio, no se consideraba a Tiny Dancer como una de las piezas más destacadas del disco, se acabó convirtiendo en single durante 1972 y, con el paso del tiempo, su popularidad ha sido más que evidente llegando a convertirse en una de las más emblemáticas de la carrera de Elton en la década de los 70.

Se dice que Bernie Taupin compuso la letra basándose en sus experiencias durante las giras por California en 1970. Quiso volcar en la canción el espíritu rebelde que caracterizaba a las bandas de rock de la época y el particular carácter de las "groupies" o "banderas" que solían acompañar a los músicos.

Sin embargo, más tarde se supo que la "Blue jean baby, L.A. lady, seamstress for the band..." no era otra que la primera esposa de Taupin: Maxine Fiebelman.

En cualquier caso, Tiny Dancer no pasó desapercibida para un apasionado de la música rock como es Cameron Crowe. En su película Almost Famous, realiza un interesante retrato de una época a través de los ojos de un jovencísimo corresponsal, William Miller (Patrick Fugit), que consigue incrustarse en la gira de una banda ficticia de rock llamada Stillwater.

En el marco de una película bastante autobiográfica (Crowe recorrió el pais de muy joven escribiendo artículos para diferentes revistas de música), el director reserva varios momentos de gran emotividad en los que demuestra que hay una conexión indivisible entre las canciones y los sentimientos vividos. Ante una situación de enfrentamiento entre los dos líderes del grupo, Russell Hammond (Billy Crudup) y Jeff Bebe (Jason Lee), una canción que empieza a sonar en la radio del autocar consigue limar las asperezas y recuperar el espíritu de grupo de la banda.

Crowe demuestra una gran habilidad al crear la escena y la convierte en una importante set piece del film. Al igual que opina mucha otra gente, este también es mi momento favorito de la cinta. Casi lo iguala otra secuencia en Nueva York que viene acompañada por otro hit de Elton John: "Mona Lisas and Mad Hatters".

Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres

2012-01-12T09:00:00.001+01:00

Se suele definir al thriller como "el género cinematográfico caracterizado por películas policíacas o de suspense, con gran carga emocional" o también como "aquél que incluye films emocionantes que, en general, narran hechos criminales o de suspense haciendo gala de un ritmo trepidante". Estas dos sentencias resumen muy brevemente el contenido principal de un género que ha sido objeto de estudio durante varias décadas. Pero la clave de su inalterable interés sigue siendo la conexión emocional que establece con el espectador; la capacidad de una película para implicar al público apelando a los sentimientos primarios. Un buen thriller será aquél que consiga rasgar la delgada capa que separa la racionalidad de la visceralidad.

Atendiendo a esta premisa, no cabe la menor duda de que esta primera entrega americana de la saga Millenium no sólo consigue sino que rebasa ampliamente los preceptos anteriormente citados. Resulta inevitable que la película no deje huella en tí tras haberla visto. La captación de la brutalidad recibida sólo dura unas horas porque nos movemos dentro del canon del espectáculo visible (que nadie espere encontrar las crueldades que cada año se exhiben en el festival de Sitges) pero, dentro de lo visualmente asumible, el film golpea y lo hace duramente.

La verdad es que no se podía esperar menos de la unión de tantos grandes talentos. El thriller es un género muy atrayente, pero sufre cuando la base argumental flaquea. En este sentido, Los Hombres que no Amaban las Mujeres, no podía tener ese problema al partir de la enorme solidez narrativa de la obra literaria de Stieg Larsson. El autor sueco, fallecido en 2004, fue un reconocido activista de la izquierda sueca y siempre mantuvo un enorme compromiso social con los más desfavorecidos. Denunció las injusticias desde las diversas publicaciones que editó e incluso levantó sospechas su propia muerte ya que había recibido numerosas amenazas que procedían de la extrema derecha. Esta vertiente política tan acusada, que yo no entraré a valorar en este artículo, está muy presente en una obra literaria que Larsson desarrolló como afición y que fue descubierta tras su desaparición.

Así pues, las novelas de Larsson son relatos negros y sombríos, en los que las grandes corporaciones empresariales están siempre salpicadas por escándalos de corrupción generados por la "tan asumida" avaricia capitalista. Larsson crea a Mickael Blomquist como su alterego de ficción: un periodista obstinado en denunciar los negocios turbios de la clase dominante erigiéndose como la voz del pueblo. Además de esto, también encontramos en su obra la presencia de personajes vinculados a la extrema derecha, gente que según sus palabras "podrían acabar con Suecia". Su profundo desprecio por la institución de la familia también tiene su correspondiente reflejo y, como resulta obvio, el tema del maltrato a la mujer y las injusticias de género predominan en sus argumentos. Dicho así, alguien podría pensar que estamos ante un tipo de literatura panfletaria y propagandística, que cuenta las bondades de la izquierda comunista. Si así fuera, su repercusión no habría sobrepasado el ámbito de las librerías de Estocolmo.

Su literatura ha podido trascender porque, si bien es cierto que estos elementos están presentes, la ficción que construye está construida con gran precisión y estilo de manera que los hechos principales solapan el mensaje político y lo circunscriben al marco general narrativo. No sabemos lo que Larsson habría decidido. Quizá de seguir vivo, estas novelas no hubieran visto la luz, quien sabe. El éxito mundial que ha conseguido póstumamente podría alejarse demasiado de su ideal de vida.

En el caso de la película, que ahora nos llega, debo decir lo siguiente: me parece ejemplar. Y buena parte de ese enorme mérito recae en cómo un director de categoría constrastada como David Fincher ha sabido articular la trama, los personajes, y el marco geográfica para crear una sinfonía cinematográfica bien afinada. La magnífica adaptación del siempre brillante Steven Zaillian, contribuye enormemente a ese éxito artístico. Soy consciente que hay algunas modificaciones con respecto a la obra original pero mi criterio de valoración se basa en observar la película como un vehículo independiente del resto de piezas y adaptaciones de la literatura de Stieg Larsson.

Gracias a la unión de grandes talentos en el aspecto creativo tenemos ante nosotros un film preciso, con estilo propio, perturbador, y sobretodo enormemente contundente. Y eso también se lo podemos agradecer a Fincher, que puso como condición para implicarse en el proyecto la obligación de que la película tuviera la calificación R. De esta manera, se podrían mostrar, con rotundidad, las escenas más sórdidas que Larsson había concebido. El estudio aceptó la condición a pesar de saber que eso mermaría las posibilidades del film en el box office.

Teniendo libertad de acción, Fincher se encuentra a gusto y despliega varias de las armas de su poderoso arsenal visual. El tratamiento de las escenas más comprometidas es una buena muestra de la gran técnica de filmación que atesora y consigue mostrarnos momentos desagradables sin por ello perder la entidad y siempre en perfecta simbiosis con la atmósfera del resto de la cinta.

En esta puesta en escena sin concesiones, Fincher se apoya en la magnífica labor de los directores de fotografía, Fredrick Bäckar y Jeff Cronenweth, y en la inquietante banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross (atención a la nueva versión de Immigrant Song, en los títulos de crédito iniciales). Por otro lado, el reparto que tiene a sus órdenes le permite trasladar las emociones de una forma muy precisa. Y, en este apartado, hay que empezar por la casi desconocida Rooney Mara.

Con 26 años, Rooney Mara ha saltado a la palestra con una interpretación espléndida en un papel por el que lucharon muchas actrices. Dar vida a un personaje tan complejo como Lisbeth Salander no resulta nada facil pero Rooney consigue desarrollar todas sus aristas de una forma excelsa. Refleja perfectamente el frío temperamento de Lisbeth al igual que su misantropía, ambigüedad, y la agresividad que tanto la caracteriza. Lisbeth y el periodista Mickael Blomquist (un Daniel Craig en plena forma) evolucionan en paralelo durante buena parte de la película pero sus caminos están destinados a cruzarse y, cuando eso ocurre, la cinta se beneficia de la buena química existente entre los dos. El resto del reparto es de primerísimo nivel aunque podrían destacarse las presencias del gran Christopher Plummer, Stellan Skarsgaard, Steven Berkoff, y Joely Richardson.

La película tiene una larga duración porque cuenta con una historia muy amplia que debe explicar. Otro mérito más de Fincher es el de haber conseguido que el ritmo de la acción se mantenga elevado en la práctica totalidad del metraje. El film parece tener un poder magnético, capaz de arrastrarte por los helados paisajes suecos mientras la narración te va descubriendo, mediante unos flashbacks impecables, la crónica de los hechos que cambiaron a la familia Vanger para siempre.

Solo hacia el final, el ritmo parece decaer levemente para finalmente volver a recuperar el interés en la conclusión final. A Lisbeth Salander le quedan varias aventuras por delante tras dar buena cuenta de los hombres que no amaban a las mujeres. Su historia debe continuar en la pantalla grande y parece que Sony Pictures también lo cree. Estamos de enhorabuena.

Paramount lidera la taquilla en 2011

2012-01-10T08:00:00.002+01:00

En este año que ahora empieza, Paramount Pictures va a celebrar su centenario. Y qué mejor noticia para abrir tan gloriosa efeméride que el anuncio del liderazgo en la recaudación de 2011.

Tras tres años de liderazgo continuado de Warner Brothers, Paramount consigue arrebatarle la corona al estudio de Burbank tanto en el mercado doméstico como en el internacional. Las cifras son concluyentes y certifican el éxito combinado de las producciones de Paramount, que han sido capaces de resistir el vendaval de Warner y su entrega definitiva de Harry Potter.

En la taquilla mundial, la recaudación de Paramount ha llegado hasta los 5,17 billones de dólares (1,95 en Estados Unidos, y 3,21 en el resto del mundo). Obviamente, Transformers 3 (con una recaudación mundial que ha llegado al billón de dólares) ha sido el buque insignia en el box office pero no habría sido suficiente sin los grandes resultados obtenidos por Valor de Ley, Rango, Thor, Super 8, Capitán América, Tintín, Paranormal Activity, y Misión Imposible: Protocolo Fantasma.

Estos son los estudios que más han ingresado, sólo en Estados Unidos, durante 2011:

Paramount Pictures 1.957 millones de dólares (19,2% del total de recaudación)

Warner Brothers 1.825 m.d. (18%)

Sony Pictures (Columbia) 1.273 m.d. (12,5%)

Walt Disney Productions 1.240 m.d. (12,2%)

Universal Pictures 1.040 m.d. (10,2%)

20th Century Fox 977,9 m.d. (9,6%)

Summit Entertainment 411,6 m.d. (4%)

The Weinstein Company 296,1 m.d. (2,9%)

Relativity Media 228,1 m.d. (2,2%)

Lionsgate 184 m.d. (1,8%)

Resulta reseñable el mal año de Fox que se ha quedado en última posición dentro de las seis grandes majors. Y, como viene siendo habitual, Summit se mantiene entre las 10 primeras gracias al tirón de la saga Crepúsculo. Lionsgate se ha colado en el top ten a última hora pero no parece que vaya a ser el caso de 2012 puesto que con el previsible éxito de The Hunger Games y The Expendables 2, escalará varias posiciones más en el ranking del año que viene.

En busca de Billy Crystal

2012-01-06T18:31:00.002+01:00

Josh Duhamel y Megan Fox buscan, por todo el mundo, a Billy Crystal para tentarle con una oferta irrechazable. En su camino, se encontrarán con varias rostros conocidos.

Un descanso para Butch y Sundance: el pueblo fantasma de Grafton

2012-01-04T14:00:00.000+01:00

Al sur del Parque Nacional de Zion (Utah) y junto al rio Virgin (afluente del Colorado), se encuentra el pueblo fantasma de Grafton.

El origen de este pequeño asentamiento se remonta a 1859, momento en que el líder mormón Brigham Young ordenó crear una colonia agraria en los prometedores ter

renos situados en la ribera del Virgin. Así fue como un grupo de colonos, liderados por Nathan Tenney, inició la construcción del pueblo que en sus inicios recibió el nombre de Wheeler. Pero las brutales inundaciones que tuvieron lugar a inicios de 1862, acabaron con la existencia del pueblo que volvió a refundarse con el nombre de Grafton.

Pero la vida en este asentamiento agrario nunca llegó a ser fácil. En 1890, llegó a tener 104 habitantes (su cifra máxima) pero el aislamiento circundante, los ataques de los indios, y las contínuas inundaciones, imposibilitaron que el pueblo pudiera seguir creciendo. En 1920, ya sólo quedaban 46 habitantes y esa cifra solo hizo que menguar hasta el abandono definitivo en 1944.

Pero las principales casas de Grafton permanecieron en pie y así fue como, en 1968, los scouters de localización de Dos Hombres y un Destino ("Butch Cassidy and Sundance Kid"), vieron en Grafton el lugar idóneo para ubicar algunas de las escenas de la película. El rodaje de las mismas no resultaría costoso puesto que el grueso del equipo se encontraba en el Parque de Zion.

Así pues, George Roy Hill decidió rodar en Grafton las escenas ubicadas en el pueblo donde vive la profesora Etta Place (Katharine Ross), novia de Sundance (Robert Redford) pero también "amiga" de Butch (Paul Newman). Hasta allí acuden los dos bandidos tras asaltar el Union Pacific Flyer. La conocida escena de la bicicleta, en la que Butch y Etta pasean por el pueblo, supone el momento cumbre de la localización. La esencia inmortal de la secuencia se debe especialmente a la canción que acompaña las imágenes. Se trata del clásico "Raindrops Keep Fallin' on My Head", compuesto por Burt Bacharach y Hal David. Una pieza que ganó el Oscar a la mejor canción original.

En 1997, un esfuerzo conjunto de la Sociedad Histórica de Utah y el Gobierno estatal, permitió realizar una labor de restauración de los edificios principales. El valor histórico se está preservando desde entonces al mismo tiempo que se favorece el interés turístico.

A continuación, podéis ver de nuevo la escena de Newman y Ross:

Sherlock Holmes: Juego de Sombras

2012-01-03T18:51:00.001+01:00

Hace dos años escribí mis impresiones acerca de la nueva propuesta que nos ofrecía Guy Ritchie sobre el célebre detective surgido de la creatividad de Sir Arthur Conan Doyle. Pero en ese momento ya afirmé que lo más interesante estaba por llegar viendo como concluía el film.

Habiendo visto Sherlock Holmes: Juego de Sombras resulta más que evidente que esta secuela aumenta y refuerza las principales virtudes de su predecesora para erigirse en una película más completa, intensa, y emocionante. La esperada aparición del archienemigo de Holmes, el Profesor James Moriarty, es aprovechada hábilmente por los guionistas, Kieran y Michele Mulroney, para situarle como el cerebro que se oculta tras una serie de atentados ocurridos en varios lugares de Europa. Unos ataques que están tensando las relaciones entre las grandes potencias del viejo continente. La guerra parece inminente y ese es precisamente el objetivo que el perverso Profesor trata de conseguir.

El film, por tanto, amplía la escala y la trascendencia de los acontecimientos obligando a Sherlock Holmes a jugar una partida de ingenio e inteligencia contra el más mortal de sus antagonistas. En este sentido, resulta un acierto contar con Jared Harris (hijo del mítico Richard Harris) para dar vida a Moriarty. El choque entre su personaje y el Holmes que vuelve a componer magníficamente Robert Downey Jr., resulta apasionante.

La cinta mantiene las marcas de fábrica del cine de Guy Ritchie (con varias escenas al estilo slow-motion) pero me atrevería a decir que están mejor diseminadas a lo largo del film e incluso tienen una mayor justificación dentro del argumento que se nos presenta. Un argumento, que dicho sea de paso, cautivará a los seguidores del personaje puesto que culmina en un escenario icónico, que es clave en la historia literaria del detective de Baker Street.

Repleta de giros y secuencias de gran espectacularidad visual, Juego de Sombras cumple sobradamente con el objetivo de entretener a la audiencia sobre una premisa de calidad. El veterano productor Joel Silver ha sabido encauzar una franquicia que le va a seguir dando grandes rendimientos a Warner Brothers mientras engrandece aún más las trayectorias de Ritchie, Downey Jr., y Jude Law (competente y resolutivo en el papel de un Watson emancipado pero no por ello menos leal a Holmes).

Por último, no querría terminar este artículo sin referirme al tremendo homenaje que Guy Ritchie tributa al clásico de Don Siegel, Dos Mulas y una Mujer (1970), que protagonizaron en su momento Clint Eastwood y Shirley MacLaine. Para ello, aprovecha una escena muy concreta y la acompaña con la partitura que Ennio Morricone compuso para ese western fronterizo.

Cabe decir que el apartado musical vuelve a ser maravilloso gracias al fenomenal trabajo de Hans Zimmer que, tras crear una partitura de enorme originalidad en el primer film, insiste en dichas pautas para conseguir una banda sonora que consigue, desde el primer momento, introducirte en la época victoriana. Una época de conspiraciones y secretos, de planes ocultos y traiciones. Un contexto exigente y peligroso, que el mejor detective de todos los tiempos sabrá aprovechar para desplegar sus numerosos talentos...

Trailer de Alien al estilo Prometheus

2012-01-02T19:04:00.001+01:00

Las películas más taquilleras de 2011

2012-01-02T12:30:00.001+01:00

Los agoreros que anunciaban una recaudación global pésima en 2011 han fracasado. Aunque la cifra de taquilla ha sufrido una lógica disminución no ha habido ningún descalabro importante. Es cierto que los blockbusters de 2011 no han llegado a las cifras conseguidas por los films de otros años pero eso es también normal considerando cuales han sido los títulos que han llegado este año. Basta mirar unos segundos la lista de las películas que vienen este 2012 para comprobar que no será difícil batir estas cifras. Los buques insignia de 2012 son mucho más interesantes y movilizarán a más público.

Las producciones familiares de animación también han rebajado un poco sus recaudaciones. En Estados Unidos la cifra final de taquilla ha llegado a los 10.157 millones de dólares, un 3,9% menos que en 2010 mientras que se han vendido un 4,7% menos de entradas. Es el segundo año consecutivo de reducción aunque la venta de entradas cayó más en 2010 (llegó al 5,2%). Bien es cierto que venimos del 2009 en que el efecto arrasador de Avatar contribuyó a un aumento del 10% en taquilla.

Los estudios están convencidos que en 2012 volverán a la senda del crecimiento y argumentos no les faltan puesto que cuentan con armas muy potentes para convencer al público: The Dark Knight Rises, Los Vengadores, Prometheus, Hugo, El Hobbit, Skyfall, Los Juegos del Hambre, Django Unchained, Total Recall, World War Z, The Amazing Spiderman, Battleship, Rock of Ages, Wrath of the Titans, Expendables 2, y muchas más...

Los 10 films más taquilleros en el global mundial durante 2011:

- Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2 (Warner Brothers) 1328,1 millones de dólares

- Transformers: La Cara Oculta de la Luna (Paramount / DreamWorks) 1123,7 m.

- Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas (Disney) 1043,9 m.

- Kung Fu Panda 2 (Paramount / DreamWorks) 665,7 m.

- Crepúsculo: Amanecer Parte 1 (Summit) 656,4 m.

- Fast Five (Universal) 626,1 m.

- Resacón 2 (Warner Brothers) 581,5 m.

- Los Pitufos (Sony Pictures) 562,5 m.

- Cars 2 (Disney) 559,9 m.

- Rio (20th Century Fox) 484,6 m.

Los 10 films más taquilleros en Estados Unidos a lo largo de 2011 han sido los siguientes:

- Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2 (Warner Brothers) 381 millones de dólares

- Transformers: La Cara Oculta de la Luna (Paramount / DreamWorks) 352,3 m.

- Crepúsculo: Amanecer Parte 1 (Summit) 275,4 m.

- Resacón 2 (Warner Brothers) 254,4 m.

- Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas (Disney) 241 m.

- Fast Five (Universal) 209,8 m.

- Cars 2 (Disney) 191,4 m.

- Thor (Paramount) 181 m.

- El Origen del Planeta de los Simios (20th Century Fox) 176,7 m.

- Capitán América: El Primer Vengador (Paramount) 176,6 m.

Se acerca "Spartacus: Vengeance"

2012-01-01T18:25:00.001+01:00

La llegada del nuevo año marca el inicio de la segunda fase de estrenos televisivos de la temporada. Obviamente, uno de los proyectos más interesantes y que suscitan la mayor expectación es la nueva entrega de la serie Spartacus cuyo título es Vengeance.

Tras liberarse del yugo de Batiato (John Hannah), Espartaco y sus compañeros de armas se disponen a organizar un ejército que ponga de rodillas a la mismísima República Romana. El australiano Liam McIntyre sustituye al fallecido (y nunca olvidado) Andy Whitfield en el papel del gladiador que hizo temblar los cimientos de la gloriosa Roma. Manu Bennett, Lucy Lawless, Peter Mensah, Dustin Clare, Craig Parker, Katrina Law, Nick Tarabay, y Viva Bianca retoman sus personajes para dar rienda suelta a los acontecimientos que nos esperan.

El 27 de enero, vuelve el espectáculo que ha cautivado a millones de espectadores en todo el mundo.

Tinker, tailor, soldier... spy

2011-12-29T20:00:00.003+01:00

A principios de la década de los 70, en plena guerra fría, los servicios de inteligencia de las principales potencias libran una auténtica batalla subterránea que puede determinar el curso futuro de la estabilidad mundial. En este contexto, el veterano George Smiley (Gary Oldman) es el principal asesor de "Control" (John Hurt), jefe del Servicio Secreto Británico. La llegada de informaciones que apuntan al hecho de que existe un topo de los soviéticos en la cúpula del "Circus" (como comúnmente le llamaban al MI-6) desata una investigación externa que dirigirá el mismo Smiley.

Esta apasionante premisa es el punto de partida de El Topo, una ejemplar película de espías dirigida con elegancia por el sueco Tomas Alfredson, en su primer trabajo en lengua inglesa.

Basada en una de las novelas más destacadas de John Le Carré, la cinta explora el mundo del espionaje de una forma realista y contenida. Fiel al texto original, Alfredson consigue crear una película de factura clásica, deudora de otros títulos básicos del género, y que destila el aroma inconfundible de las mejores esencias del cine británico.

El denso contenido del maravilloso guión adaptado por Bridget O'Connor y Peter Straughan, es el que va desgranando los elementos principales de una trama que se desarrolla sin fisuras. Una buena muestra de que no siempre la acción es imprescindible para este tipo de argumentos. En esta propuesta, el peso y significación de las palabras tiene más fuerza que las balas y los golpes. La emoción física es sustituida por la sutileza y la brillantez de los diálogos y situaciones. El lenguaje gestual acaba siendo un elemento importantísimo a la hora de trasladar las sensaciones al espectador. No es fácil conseguir un resultado tan logrado con esta premisa y eso le concede un mérito muy especial al director y a su excelente reparto de actores.

Se trata de una película coral pero es innegable que la interpretación de Gary Oldman es una de las claves del éxito crítico del film. Smiley es el conductor de la narración, el nexo de unión capaz de enlazar las diferentes subtramas para llegar a una conclusión final que no decepcionará a nadie. Oldman realiza una interpretación magistral que va más allá de las lineas de diálogo porque su Smiley transmite con cada mirada, con cada gesto.

Además, tenemos también al oscarizado Colin Firth y al venerado John Hurt, junto a actores más jóvenes que aseguran la permanencia de la brillantez de la escena británica en las próximas décadas: Mark Strong, Tom Hardy, Benedict Cumberbatch, y Stephen Graham.

Cuando tienes la oportunidad de ver una película tan bien orquestada como ésta, un pensamiento te invade con fuerza: qué grande es el cine cuando se hace bien !

Recomiendo especialmente el visionado de esta película. Cómo sino podréis descubrir al calderero, al sastre, al soldado, y sobretodo al espía...

Misión cumplida para Tom Cruise

2011-12-28T14:06:00.000+01:00

El cine de entretenimiento masivo debería ser como Misión Imposible: Protocolo Fantasma. Soy consciente del sentido lapidario de la frase pero este es el mensaje principal que quiero trasmitir en el artículo.

La nueva entrega de la franquicia que produce y protagoniza Tom Cruise, consigue entretener manteniendo un logrado equilibrio entre acción y contenido. Y, además, todo queda bien hilvanado gracias al ritmo vertiginoso y a la gran intensidad que imprime el debutante (en imagen real) Brad Bird.

Esta nueva aportación a la franquicia que se inició en 1996, es un espectáculo non-stop que logra abstraerte completamente para introducirte en un entorno exótico que te prepara para aceptar muchas de las situaciones sin pensar demasiado en la credibilidad de las mismas. Dicho objetivo se cumple con creces por lo que tenemos diversión asegurada aderezada también por unas notas de humor muy bien diseminadas (y nunca cansinas) a lo largo del metraje y que, en buena medida, proceden del personaje de Benji Dunn (interpretado nuevamente por el cómico británico Simon Pegg).

Creo que estamos ante la mejor entrega de la franquicia, muy superior a la segunda y tercera parte. Descubrimos además que el talento que Brad Bird había demostrado en el cine de animación se reafirma en su salto a la imagen real y es encomiable la forma en que ha diseñado varias de las set pieces del film, con especial mención a la secuencia de la escalada en el Burj Khalifa de Dubai.

Sin embargo, debo decir que también estoy de acuerdo con mi amigo Mike Lee en su apreciación de que quizá el punto más negativo de la película sea el villano (interpretado por el sueco Michael Nyqvist). Pero eso no afecta tanto como podría parecer a la sensación final porque el film depara grandes momentos que desplazan la atención del espectador. Además, el guión depara algunas sorpresas vinculadas al pasado de Ethan Hunt que resultan relevantes para el desenlace final. Aunque nunca ha sido un personaje al que se le haya querido dar profundidad, en esta ocasión hay algún detalle más que deja bien claro cuales son sus lealtades.

Así pues, un film muy recomendable, ideal para pasar un buen rato de evasión y divertimento.

Escenarios de Vértigo: Brocklebank Apartments

2011-12-27T13:18:00.003+01:00

Mostra un mapa més gran

Continuamos con más escenarios californianos del clásico inmortal Vértigo. En esta ocasión, nos introducimos en el centro de San Francisco, concretamente en el distrito de Nob Hill, entre el centro financiero y Chinatown. Allí, en el 1000 de Mason Street, haciendo esquina con Sacramento Street, encontramos el magnífico edificio de apartamentos Brocklebank. Hasta allí llegaba Scottie (James Stewart) siguiendo a la misteriosa Madeleine Elster (Kim Novak).

Pero no fue la única vez en que esta localización tuvo su cuota de pantalla. En un contexto completamente diferente, Teddy Pierce (Gene Wilder) se veía obligado a quedarse en la cornisa tras la abrupta llegada del marido de Charlotte (Kelly LeBrock) en La Mujer de Rojo (1984).

Se da la coincidencia de que, casi al lado de este bloque de apartamentos, encontramos otra mítica localización, inmortalizada en la pequeña pantalla gracias a la serie Hotel (emitida entre 1983 y 1988). Las peripecias de Peter McDermott (James Brolin) y su equipo en el St. Gregory, hallaban acomodo en los exteriores del Hotel Fairmont. En el Google Street View que adjunto, podéis ver el Fairmont cambiando la orientación y siguiendo por Mason.

Atención a quien salía en este episodio como invitada...

Navidad con Frank y Bing

2011-12-24T00:06:00.009+01:00

Un año más, quiero aprovechar la posibilidad que me ofrece el blog para desearos una Feliz Navidad y un venturoso año 2012 !!!

Quiero expresar mi especial agradecimiento a los amigos y amigas que más me han acompañado en este apasionante viaje por el cine: Xavi, Octopus, Alfonsus, Satrian, Mike Lee, Lluís Álvarez, Noega's Blue, Pabela, Jim Nava, Néstor Bentancor, bvalvarez, Antxon, Antara Adachi, la Guionista Reflexiva, Emilio Luna, Teresa Garza, Juan73, Nostromopinion, deWitt, Andrés Valverde, Elisa, Youtrailer, y Saperlipopette.

También hago extensivo este agradecimiento a mis nuevos amigos de Twitter y Facebook pero afortunadamente sois ya tantos que me resulta imposible nombraros uno a uno. En cualquier caso, sentiros partícipes de esta dedicatoria. Muchas gracias por seguirme !

Os dejo con una de esas pequeñas joyas que vale la pena recuperar durante estos dias. Bing Crosby y Frank Sinatra interpretan "White Christmas". Un fuerte abrazo !!! Sed felices !!!

Charlize Theron revela que su papel en Prometheus es el de villana

2011-12-23T19:19:00.004+01:00

Y lo explica así:

"No, I actually don't play the heroine in it, that's Noomi Rapace. I play somewhat of a villain in it. She's not a believer, she's not a scientist, she is the red tape that everyone has to go through. She's working with the company that's sponsoring this whole thing and you can feel she definitely has an agenda, which we pick up in the third act. She's more quiet thunder."

Y añade una frase para agrandar aún más la expectación:

"If you're a Ridley Scott fan and you love the genre, then you're going to be happy. You're going to be very, very happy."

Primer trailer de Prometheus

2011-12-22T22:08:00.002+01:00

"Ridley Scott, director of Alien and Blade Runner, returns to the genre he helped define. With Prometheus, he creates a groundbreaking mythology, in which a team of explorers discover a clue to the origins of mankind on Earth, leading them on a thrilling journey to the darkest corners of the universe. There, they must fight a terrifying battle to save the future of the human race."

El imparable ascenso de Jessica Chastain

2011-12-21T08:15:00.000+01:00

En un solo año, la californiana Jessica Chastain (nacida en 1981), ha logrado su consagración total como actriz de referencia en el panorama actual. Hasta seis películas se han estrenado este año con su nombre en el reparto (La Deuda, Take Shelter, El Árbol de la Vida, Criadas y Señoras, Texas Killing Fields, y Coriolanus).

Películas muy diferentes entre ellas, con estilos y tratamientos completamente opuestos en algunos casos. Una muestra más de la capacidad de esta actriz para adaptarse a cualquier exigencia.

El destino ha querido que el éxito le haya llegado de una forma intensa y concentrada. Antes de 2011, sólo era conocida en círculos muy reducidos de la industria del entretenimiento aunque ya demostró su valía interpretativa desde su debut en la película Jolene (2008). Anteriormente se había paseado, con poca suerte, por varias series de televisión en las que nunca le ofrecieron un papel regular.

Su formación artística es sólida ya que está graduada por la prestigiosa Juilliard School de Nueva York. Pero a pesar de su buen currículum tuvo que esperar una oportunidad que no le llegó hasta que Terrence Malick decidió contratarla para El Árbol de la Vida. A pesar de intervenir en un breve papel, su nombre empezó a sonar con fuerza en las agencias de representación y hasta llegaron a estrenarse películas suyas rodadas anteriormente. El ejemplo más claro de ello fue La Deuda, una cinta que fue estrenada en muchos países dos años después de su rodaje.

Pero ahora ya estamos ante una actriz plenamente consolidada y reconocida. Muchos ven en ella a una intérprete poliédrica que puede convertirse en una nueva Cate Blanchett. Los premios a su trabajo no tardarán en llegar y más teniendo en cuenta que su calendario de estrenos no cesa en 2012.

La veremos en el thriller de terror, Mama, y también en la nueva propuesta, aún sin título, de Terrence Malick, donde comparte cartel con Rachel Weisz, Ben Affleck, Rachel McAdams, Javier Bardem, Olga Kurylenko, y Michael Sheen, entre otros.

Va a rodar también Wettest County, un drama ambientado en la década de los 20 y centrado en un grupo de traficantes de bebidas alcohólicas. En esta ocasión coincidirá con Tom Hardy, Gary Oldman, y Guy Pearce.

En su repleta agenda también podemos encontrar un estreno en 2013. Y, además, se trata de un film de gran repercusión: Horizons. El nuevo título del director Joseph Kosinski (Tron Legacy) la reunirá con Tom Cruise en lo que promete ser una interesante incursión de esta actriz en el género de la ciencia-ficción.

Así que no la perdáis de vista en los próximos tiempos. Jessica Chastain está lanzada.

Dexter Morgan in his own words

2011-12-20T11:04:00.005+01:00

"Tonight's the night. And it's going to happen, again and again. It has to happen. Nice night. Miami is a great town. I love the Cuban food... pork sandwiches, my favorite. But I'm hungry for something different now."

"Blood. Sometimes it sets my teeth on edge, other times it helps me control the chaos. The code of Harry, my foster father, is satisfied. And so am I. Harry was a great cop here in Miami. He taught me how to think like one; he taught me how to cover my tracks. I'm a very neat monster."

"Sometimes I wonder what it would be like for everything inside me that’s denied and unknown to be revealed. But I’ll never know. I live my life in hiding. My survival depends on it."

In Nolan We Trust: espectacular trailer de The Dark Knight Rises

2011-12-19T22:50:00.002+01:00

"You’re as precious to me as you were to your own mother and father. I swore to them that I would protect you… but I haven’t" (Alfred)

"There's a storm coming, mister Wayne..." (Selina Kyle)

"Following the death of District Attorney Harvey Dent, Batman assumes responsibility for Dent's crimes in order to protect his reputation and is subsequently hunted by the Gotham City Police Department. Eight years after the events of The Dark Knight, Batman must return to face the villain Bane, who seeks to destroy Gotham, and discover the truth regarding the enigmatic Selina Kyle"

Liam Neeson se enfrenta a la naturaleza salvaje en The Grey

2011-12-18T14:20:00.000+01:00

"In The Grey, Ottway (Liam Neeson) leads an unruly group of oil-rig roughnecks when their plane crashes into the remote Alaskan wilderness. Battling mortal injuries and merciless weather, the survivors have only a few days to escape the icy elements – and a vicious pack of rogue wolves on the hunt – before their time runs out".

La Conspiración: crónica de un juicio implacable

2011-12-16T08:30:00.000+01:00

The Conspirator es el primer film de la productora American Film Company. Esta nueva empresa cinematográfica se ha propuesto desarrollar proyectos que recuperen importantes pasajes de la historia americana manteniendo una exigencia máxima en la reconstrucción de la época en que se sitúe el argumento.

Estos son los loables principios de la compañía y queda claro, al ver su proyecto de futuro, que habrá que estar muy pendiente de sus próximos títulos. Para los amantes de la historia es un gozo saber que una productora va a dedicarse en exclusiva a la reproducción de grandes momentos de la apasionante historia americana. Pero, dicho esto, debo hacer constar que la elección de Robert Redford como director y productor resulta cuando menos curiosa.

Es evidente que Redford ha demostrado ser un gran director pero también es un hombre de fuertes convicciones políticas y esa deriva no encaja en el tipo de cine histórico que propone la AFC. Pensaba que La Conspiración sería una película que narraría los hechos posteriores al asesinato del Presidente Abraham Lincoln sin adoctrinamiento. Pero eso, lamentablemente, no se cumple.

En las manos de Redford y del guionista James Solomon, el film se tiñe de reivindicación política injustificada. Se define a Mary Surratt como una pobre víctima de la furia de un gobierno ansioso por vengar a su líder caído y se deja implícito que sólo albergó a los conspiradores liderados por John Wilkes Booth. Está claro que los historiadores de la AFC no tuvieron excesiva influencia final sobre la película porque está muy extendida la opinión entre los expertos acerca de que Surratt no sólo alojó a los perpetradores sino que les ayudó y asistió en lo que pudo, habiendo conocido exactamente cuales iban a ser los planes del magnicidio.

Redford construye, a través de la injusta acusación de Surratt, un relato de indefensión constitucional ante un Gobierno que busca lograr castigos ejemplares para templar los ánimos de una nación herida y dividida. Es evidente que no todos los hechos fueron tan claros como daba a entender la acusación pero de ahí al alegato ideológico que nos propone el film...

La segunda y última objeción que pongo a la película es producto de su propia concepción. El público que va a verla ya sabe cómo acabó la historia y eso hace que la película se demore en exceso a falta de un giro dramático que nunca existió.

No obstante, el film tiene muchos elementos interesantes. La reconstrucción de la época es maravillosa. Los exteriores se rodaron en la bella ciudad de Savannah (Georgia) y es impresionante ver lo que consiguieron los responsables del diseño de producción al convertir algunas de sus calles en el Washington DC de 1865. Resulta impecable la recreación de la casa de huéspedes de Mary Surratt y también el exterior e interior de la Petersen's Boarding House, la pensión donde el Presidente Lincoln murió tras recibir el tiro mortal en el Teatro Ford.

La película insufla credibilidad en lo que se refiere a contexto histórico, escenografía, y vestuario. Además cuenta con un magnífico reparto de actores que nos otorgan grandes momentos. Destacaría a James McAvoy (brillante en sus alegatos ante el tribunal militar), Robin Wright (interpretación muy remarcable, haciendo uso de una sensibilidad natural arrolladora), Tom Wilkinson (no hay película en la que no esté bien), Kevin Kline (un magnífico actor que tiene que vérselas con el papel del Secretario de Guerra, Edwin Stanton, convertido en el villano principal del guión de James Solomon) y Danny Huston (excelso en el papel del fiscal del caso, Joseph Holt).

Creo que La Conspiración es un film muy meritorio. Nos depara momentos puntuales de absoluta brillantez pero encuentro que su exceso de deriva ideológica le perjudica. El mensaje que nos traslada es evidente: el director construye una trama que trata de buscar una analogía con nuestros tiempos planteándose hasta donde puede llegar el Estado con tal de resarcirse del ataque sufrido. Frederick Aiken (James McAvoy) hace un elocuente discurso en defensa de las garantías constitucionales que aseguran un juicio justo para todo el mundo. ¿ Acaso no es este el tema que sigue comentándose en los medios cuando se habla de la reacción del Gobierno de los Estados Unidos tras el 11-S ?

Primer trailer de The Expendables 2

2011-12-15T11:10:00.000+01:00

"The Expendables are back and this time it's personal... Barney Ross (Sylvester Stallone), Lee Christmas (Jason Statham), Yin Yang (Jet Li), Gunnar Jensen (Dolph Lundgren), Toll Road (Randy Couture) and Hale Caesar (Terry Crews) -- with newest members Billy the Kid (Liam Hemsworth) and Maggie (Nan Yu) aboard -- are reunited when Mr. Church (Bruce Willis) enlists the Expendables to take on a seemingly simple job. The task looks like an easy paycheck for Barney and his band of old-school mercenaries. But when things go wrong and one of their own is viciously killed, the Expendables are compelled to seek revenge in hostile territory where the odds are stacked against them. Hell-bent on payback, the crew cuts a swath of destruction through opposing forces, wreaking havoc and shutting down an unexpected threat in the nick of time -- six pounds of weapons-grade plutonium; enough to change the balance of power in the world. But that's nothing compared to the justice they serve against the villainous adversary who savagely murdered their brother. That is done the Expendables way...."

Mission Impossible theme variations: Lalo Schifrin y sus seguidores

2011-12-14T22:45:00.001+01:00

Cuando se habla de los mejores temas musicales en la historia de la televisión, uno que siempre aparece es el de Mission Impossible (serie emitida entre 1966 y 1973). Esta gran pieza musical surgió de la creatividad del mítico Lalo Schifrin, a quien se le encargó crear un tema principal que combinara intensidad y contundencia.

No cabe duda de que la música fue un elemento clave del éxito de una serie que, vista ahora, resulta muy desfasada y casi cómica en ocasiones, pero que en su momento consiguió llegar al público de la época.

Ya en los 90, cuando Tom Cruise adquirió los derechos para la adaptación cinematográfica, llegó una gran oportunidad para recuperar aquel fantástico tema principal. A lo largo de las diversas entregas de esta exitosa franquicia, hemos podido escuchar nuevas versiones a cargo de tres compositores diferentes además de una versión más techno que desarrollaron Adam Clayton y Larry Mullen (del grupo U2) para el film de 1996.

A continuación, podéis escuchar las aportaciones de Danny Elfman, Hans Zimmer, y Michael Giacchino. Mi preferido, entre los temas fílmicos, es precisamente el último.

Mission:Impossible Theme by Danny Elfman on Grooveshark

Mission: Impossible Theme by Hans Zimmer on Grooveshark

Mission : Impossible Theme by Michael Giacchino on Grooveshark

Escenarios de Vértigo: Cypress Point

2011-12-13T23:00:00.006+01:00

En el clásico de Alfred Hitchcock, Vértigo (1958), Scottie Ferguson (James Stewart) y Madeleine Elster (Kim Novak) abandonan San Francisco para recorrer la carretera 17-mile drive en dirección sur, bordeando el océano hasta llegar a la misión de San Juan Bautista. A medio camino, paran en un lugar que nos ofrece una gran impronta cinematográfica. Se trata de Cypress Point, un pequeño promontorio que se adentra en el océano y que está coronado por un ciprés californiano que otorga al escenario una belleza turbadora.

Situado entre Carmel y Monterrey, dentro de la costa central californiana, Cypress point se convirtió, gracias al cine, en un enclave de obligada visita para aquellos cinéfilos que recorran la zona.

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Impresionante nuevo poster de The Dark Knight Rises

2011-12-11T13:01:00.004+01:00

La campaña viral de la película ha arrancado y además ahora nos llega un nuevo teaser poster que reproduce algo que ya ha sido visto por algunos privilegiados en el prólogo del film (que ya se está proyectando en cines IMAX de Norteamérica).

Queda claro que Bane se ha propuesto borrar a Batman de la faz de la Tierra y conquistar Gotham. Su justificación parece ser clara aunque explicarlo aquí supondría difundir un spoiler demasiado grande . Dejo que los lectores decidan voluntariamente hasta qué punto quieren informarse...

En el espacio nadie puede oír tus gritos...

2011-12-10T12:43:00.008+01:00

La nave comercial Nostromo regresa a la Tierra transportando veinte millones de toneladas de minerales esenciales extraídos en el remoto planeta Thedus. Pero la computadora central capta una transmisión de emergencia e inicia el protocolo establecido por la compañía Weyland-Yutani. Los siete tripulantes, que pasan el larguísimo viaje sumidos en un estado de hipersueño, son despertados. Creyendo que ya están cerca de la Tierra, empiezan a creer que su misión ha terminado. Por desgracia, seis de ellos desconocen el peligro que les acechará y la conspiración que subyace tras todo ello.

Como una metáfora brillante del destino aciago que les espera, Ridley Scott nos muestra al segundo de a bordo, Kane (John Hurt), siendo el primero en despertar. Una terrible premonición, un símbolo de lo que le aguarda en primer lugar...

Aprovecho la oportunidad para recordar que el próximo viernes 16 de diciembre, Phenomena vuelve a proyectar Alien en la superpantalla del cine Urgel junto a otra obra maestra: Tiburón.

Personajes reales en Boardwalk Empire

2011-12-07T19:15:00.001+01:00

A lo largo de estas dos temporadas de emisión, Boardwalk Empire nos ha introducido en el apasionante mundo del hampa al inicio de la llamada "Ley Seca" (1920).

La mayor parte de los protagonistas están inspirados en personajes reales que fueron importantes en el Atlantic City de la década de los 20. Pero también intervienen, con mayor o menor relevancia, una serie de personajes históricos reales que entrecruzan sus destinos con Nucky Thompson, Jimmy Darmody, Louis Kaestner, Margaret Schroeder, etcétera.

A continuación presento una selección de los más significativos. Sin duda alguna, su presencia contribuye a ampliar la escala y la relevancia de la serie conectando con un contexto histórico marcado por la corrupción amparada en el surgimiento de una nueva generación de gángsters que van a dar un salto importante en la dimensión de sus negocios.

Charles "Lucky" Luciano, Meyer Lansky, y Arnold Rothstein

En Boardwalk Empire, vemos a Luciano en sus inicios como contrabandista de alcohol a las órdenes del magnate neoyorkino Arnold Rothstein. Sin embargo, su ambición transcurre paralela a su sed inigualable de poder y riqueza. Así es como, en solo un año, le veremos pasar de matón a hombre de "negocios". Con el apoyo de su amigo de la infancia, Meyer Lansky, iniciaran su propio tinglado que acabará siendo la base de un imperio criminal que marcaría época.

Al Capone y Johnny Torrio

La evolución de Capone en la serie también es rápida. Sigue bajo el mando del capo Johnny Torrio en Chicago. Pero ahora es su lugarteniente más próximo y eso le da autonomía de movimientos para procurarse su propio futuro asociándose con Jimmy Darmody, Luciano, y Lansky. Uniendo sus respectivos recursos, se disponen a vender licor por toda la costa Este. El futuro que aguarda a Capone es bien conocido pero hasta 1925, cuando Torrio se retirará cediéndole el control, no se convertirá en el rey del crimen organizado en Chicago.

Edward Bader

Tras hablar de los mafiosos, pasamos a sus "amigos" de la época: los políticos. El caso de Edward Bader es paradigmático. Siendo un hombre dedicado a la construcción y a la especulación inmobiliaria, Bader disfrutaba de una gran riqueza. Pero Nucky Thompson quiere a alguien nuevo para la alcaldía de Atlantic City y quien mejor que un hombre que puede asegurar el crecimiento de la ciudad y la expansión del negocio del juego. El nuevo alcalde es un hombre que conoce bien el esquema de poder de la ciudad y será un eslabón más en la maquinaria que Thompson ha construido para gobernar la ciudad. Aunque nunca se puede estar completamente seguro de cuan perdurables pueden ser las lealtades.

Warren Gamaliel Harding

Aunque tiene una presencia muy tangencial en la serie, no hay que obviar al que fue el vigésimo noveno Presidente de los Estados Unidos entre 1921 y 1923. En Boardwalk Empire, la que fuera amante de Harding, Nan Britton, recibe la hospitalidad de Nucky Thompson para que el candidato pueda estar más libre en la Convención Republicana. Thompson pasará a ser uno de los "mejores amigos" del jefe de campaña, Harry Daugherty. El apoyo de Nucky en las elecciones les permitirá asegurarse los votos suficientes para ganar en un estado tan importante como New Jersey. Una victoria que se sumará a un huracán republicano, en toda la nación, que llevará a Harding a la Casa Blanca.

En el verano de 1923, Harding emprendió una gira por la costa Oeste durante la cual enfermó de neumonía. A pesar de las numerosas atenciones, el Presidente sucumbió a un infarto que acabó con su vida en el Hotel Palace de San Francisco. El vicepresidente Calvin Coolidge le sucedió en el cargo con el objetivo de barrer los numerosos casos de corrupción que surgieron durante el breve mandato de su predecesor.

Harry Daugherty

Miembro del círculo interno de colaboradores de Warren Harding, Harry Daugherty fue elegido por éste para dirigir su campaña a la Presidencia. Tras la victoria electoral, Daugherty pasó a ocupar uno de los puestos más importantes del gabinete: Fiscal General. El carácter corrupto del personaje queda muy buen definido en la serie. Cuando Coolidge llegó a la Presidencia, la buena estrella de Daugherty se eclipsó y acabó dimitiendo en abril de 1924.

Eddie Cantor

El último bloque de personajes reales corresponde a hombres del mundo del entretenimiento. Cabe destacar la presencia del showman Eddie Cantor. Fue uno de los pioneros de la comedia en la radio y destacó también en el teatro de vodevil antes de su salto al cine y finalmente a la televisión. Disfrutó de una larga y prolífica carrera. En Boardwalk, le vemos actuando en el Ritz Carlton de Atlantic City como parte de una gira de actuaciones por todo el país.

Jack Dempsey

Campeón mundial de los pesos pesados entre 1919 y 1926, Dempsey está considerado uno de los mejores púgiles de la historia. En la serie le vemos aceptando el ofrecimiento de Nucky para entrenarse en Atlantic City con vistas a su enfrentamiento con el francés Georges Carpentier (2 de julio de 1921). El actor que le interpreta guarda un asombroso parecido con el personaje real.

"...you're not one of them..."

2011-11-30T08:00:00.001+01:00

Not One of Them
Superman Returns— MOVIECLIPS.com

"Even though you've been raised as a human being, you're not one of them. They could be great people Kal-El if they wish to be. They only lack the light to show the way, this reason above all is why I send them you, my only son."

Es de sobras conocida mi animadversión por Superman Returns (2006). Doy gracias al hacedor cada vez que recuerdo la unión de Chris Nolan, David Goyer, y Zack Snyder para crear un nuevo film del Hombre de Acero que, por fin, haga justicia al personaje creado por Jerry Siegel y Joe Shuster.

Pero tengo que reconocer que la película dirigida por Bryan Singer y guionizada por dos imberbes lamentables (Dan Harris y Michael Dougherty) contiene una escena que considero realmente excepcional. Y es aquella en que Kal-El, recordando el mensaje de su padre que le emplazaba a proteger la Tierra como un Dios entre los hombres, vuela hasta la estratosfera y allí, suspendido en el firmamento, cierra los ojos y oye el sonido del mundo. Una escena brillante, muy bien concebida. Recuerdo que cuando vi el avance de la misma, a través de storyboards, me invadió una emoción atroz. Pensaba que Superman Returns sería un gran acontecimiento...

Un Dios Salvaje

2011-11-29T08:00:00.002+01:00

"You see, Penelope, I believe in a god of carnage. He has ruled uninterruptedly, since the dawn of time.”

Alan Cowan (Christoph Waltz)

Una riña aparentemente intrascendente entre dos niños termina con uno de ellos ligeramente agredido. Ante tal situación, los padres de ambos se reunen en casa del niño afectado para arreglar la situación. Como personas civilizadas y adultas, ambos matrimonios están convencidos de que hallarán la mejor solución al problema.

Penélope y Michael Longstreet (Jodie Foster y John C. Reilly) reciben a Nancy y Alan Cowan (Kate Winslet y Christoph Waltz) en su apacible apartamento del norte de Brooklyn. Pero lo que parecía un puro trámite se acaba convirtiendo en la expresión más pura del enfrentamiento y el reproche. La pelea entre los niños es sólo un pretexto. Lo que vamos a ver a continuación es una catarsis; la crudeza verbal y las reacciones exaltadas se apoderan del escenario. Los que debían poner paz y concordia se convierten en los intérpretes de una tragicomedia en la que el componente más perturbador del ser humano sale a la superficie.

Los humanos nos hemos autoconvencido de que ya no tenemos nada que ver con los que nos precedieron. Hemos desterrado los elementos más salvajes de nuestro proceder y ahora somos seres muy racionales, capaces de solucionarlo todo de forma dialogada y educada. Esto es lo que creemos en la sociedad occidental pero... ¿ podemos estar seguros de ello ?, ¿ somos capaces de asegurar que no reaccionaremos de una forma más visceral o "primitiva" ante un hecho que nos toque de cerca ?, ¿ de verdad somos tan ingenuos al pensar que, dentro de nosotros, ya no existe una esencia salvaje que espera su momento para manifestarse ?

Hemos evolucionado, sí, pero no podemos ir en contra de lo que está impreso en nuestros genes. Ya no tenemos que estar en constante alerta para abatir a un animal feroz que pretenda devorarnos, pero hemos aprendido a canalizar y solapar esos comportamientos hacia otros ámbitos. Este es el mensaje fundamental que trata de expresar el maravilloso texto de la dramaturga Yasmina Reza. Tras conseguir el triunfo unánime en los escenarios de Europa y América, ahora se nos presenta en formato cinematográfico bajo la dirección del realizador más idoneo para este proyecto: Roman Polanski.

Experto en la creación de situaciones, Polanski se apoya en un grupo de actores en estado de gracia para construir un film contundente, en ocasiones brillante, que no pierde un ápice de su visceralidad a lo largo del conciso metraje.

Cuando los adultos fracasan en la resolución del conflicto, una última secuencia nos muestra a los niños jugando juntos de nuevo... quizá las cosas son más sencillas de lo que creemos.

Primeras imágenes del Prometheus de Ridley Scott

2011-11-23T20:18:00.001+01:00

Entertainment Weekly ha sido el primer medio en publicar una serie de fotos de Prometheus.

Podemos ver las primeras imágenes de uno de los films más esperados de 2012. El regreso de Ridley Scott al género de la ciencia ficción promete mucho y más después de ver los impresionantes decorados que ha tenido a su disposición para crear una cinta que renuncia conscientemente a convertirse en una precuela de Alien para trazar su propio camino. Scott ha reconocido que habrá algunas referencias a la saga Alien pero éstas serán tangenciales a la trama principal.

En las fotos vemos a Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba, Noomi Rapace y Logan Marshall-Green. Mientras se mantiene oculta la premisa argumental de la película, podemos comenzar a pensar en las similitudes entre el interior de la nave en la que están los protagonistas con respecto a la que albergaba una gran amenaza en el lejano planeta LV-426...

Prometheus se estrenará el 8 de junio de 2012. Además de los actores citados, también intervienen Guy Pearce, Rafe Spall, Patrick Wilson, y Ben Foster.

Ridley Scott dirige y produce la película contando con un guión de Damon Lindelof y Jon Spaihts. Al igual que todos los films de la saga Alien, 20th Century Fox se encargará de su distribución.

Preview de la segunda temporada de Juego de Tronos

2011-11-21T21:09:00.004+01:00

D.B. Weiss y David Benioff, creadores y guionistas de la aclamada serie de la HBO, Juego de Tronos, nos introducen en el reto que supone ampliar y expandir el apasionante universo concebido por George R. R. Martin.

Anonymous: la otra cara de Shakespeare

2011-11-21T08:15:00.000+01:00

Abordar la vida y trayectoria del mejor dramaturgo de la historia nunca ha resultado tarea fácil para los cineastas. Aún así, hemos tenido buenas muestras de ello a lo largo de la historia del cine. Sin embargo, nunca hasta ahora habíamos visto en la gran pantalla un argumento que pusiera la historia del revés y se hiciera eco de algunas de las teorías que, desde tiempos inmemoriales, han puesto en duda la autoría real de las obras de Shakespeare. Aquél que se atreviera a hacerlo debería tener, además de valentía, un esmerado aprecio por la época isabelina puesto que al presentarnos una historia hipotética, con elementos claramente risibles, tendría que asentarse bien dentro del contexto histórico para que la película no acabara deambulando por los terrenos de una comedia o parodia sin sentido.

Ese es el primer aspecto digno de alabanza en Anonymous. Y eso se consigue gracias al cuidado guión de John Orloff, un escritor norteamericano que llevaba varios años intentando colocar su libreto hasta que entró en contacto con Roland Emmerich. El director alemán, experto en blockbusters y en films de consumo rápido, siempre ha buscado construir una carrera paralela en la que pudiera expresar unos valores diferentes, construidos a partir de una narrativa cinematográfica clásica. El realizador ya había apuntado ese otro carácter como cineasta en El Patriota (2000), un film épico histórico que incluía momentos de gran emotividad en el contexto de la Guerra de la Independencia Americana.

Anonymous es el resultado de la suma de dos grandes voluntades, unidas por el interés en llevar adelante una propuesta arriesgada y quizá irrespetuosa pero que rezuma pasión y entrega en cada uno de sus fotogramas.

No obstante, es preciso dejar constancia de algo que resulta imprescindible hacer antes de ver el film: es necesario despojarse de prejuicios y aceptar que Shakespeare se nos va a mostrar como un paleto iletrado, con más talento para las bufonadas que para la escritura. Si aceptas ese principio, podrás disfrutar de la película pero, si no compras lo que te ofrecen, la sensación final puede ser decepcionante.

Hay que tener en cuenta que Anonymous es un film bien construido y estructurado. Es una pieza de buen cine pero no de historia. Debemos asumir que estamos viendo una propuesta de ficción unida a personajes y situaciones reales. Por tanto, no saldremos de la sala habiendo recibido una lección de historia inglesa. En todo caso, si la película nos satisface, habremos salido con la sensación de haber visto una atrevida cinta que nunca intenta pontificar y que deliberadamente enmarca su acción, desde el inicio, en una obra de teatro que se pone en marcha al mismo tiempo que la narración. De hecho, un siempre brillante Derek Jacobi nos introduce en la obra que vamos a presenciar, estableciendo una curiosa analogía en la que el público de dentro y fuera de la pantalla se une expectante ante el inicio de la representación. Un recurso estilístico innovador y efectista que otorga aún más crédito a la propuesta de Emmerich.

Así pues, tenemos en Anonymous la confirmación de una puesta en escena y un estilo narrativo prometedor y sorprendente en la trayectoria de Roland Emmerich. Apoyado en un reparto de ensueño, repleto de nombres ilustres y jóvenes promesas de la escena británica, el director establece un ritmo continuado, con saltos constantes en el tiempo que tienen la virtud de ofrecernos el background necesario para entender las conspiraciones y tramas que rodean a la corte de Isabel Tudor.

John Orloff eligió construir su guión recogiendo la que parece ser la teoría más verosímil entre aquellos que creen que William Shakespeare fue un señuelo. En concreto, esta hipótesis se centra en la figura de Edward de Vere (1550-1604), Conde de Oxford. Un hombre polifacético y enormemente culto, cuya pasión por la escritura y el teatro le llevaron a crear varias piezas de renombre. Los teóricos de la conspiración ven en él al candidato perfecto puesto que poseía una sólida formación académica y, a la vez, disponía de gran conocimiento sobre la historia de Inglaterra y sus cortes (algo fundamental en la configuración de muchos de los personajes en la obra de Shakespeare).

El galés Rhys Ifans destaca sobremanera en el papel del Conde literato y, a través de él, nos sumergimos en la triste historia de un joven que llegó a amar a una Reina, debiendo asumir posteriormente las consecuencias de esa relación prohibida.

Shakespeare, por su parte, se nos presenta tal como los escépticos creen que era: un campesino que había probado suerte en Londres como actor. Carente de estudios, iletrado, incapaz de albergar una mínima sensibilidad artística... todas ellas características muy habituales en la época. Rafe Spall realiza un buen trabajo recreando una y otra vez las bufonadas del personaje y ahí es donde más debemos dejarnos llevar y no pensar demasiado en quien está interpretando.

La película realiza varios cambios en la línea de los acontecimientos para acomodar mejor lo que quiere transmitir pero sus responsables cuidan al detalle el contexto histórico en cuanto a escenarios, ambientación, y vestuario se refiere. Además, se hace un uso muy interesante del CGI para mostranos unas impresionantes vistas aéreas del Londres del siglo XVI.

Anonymous es una película coral, que narra sucesos en un lapso temporal de cincuenta años, y que consigue hacernos entrar en una época apasionante para presenciar unos hechos que, durante un breve periodo de tiempo, pueden reabrir una polémica latente.

No quiero finalizar el artículo sin hacer una mención especial a la interpretación de la veterana Vanessa Redgrave en el siempre difícil papel de Isabel I. Resulta también un acierto contar con su propia hija, Joely Richardson, para dar vida a la Reina en sus años de juventud y madurez. Madre e hija unidas de nuevo en un terreno que no les es desconocido. Redgrave asumió el papel de Ana Bolena, segunda esposa de Enrique VIII, en Un Hombre de la Eternidad (1966). Joely, por su parte, fue Catalina Parr (sexta y última esposa del Rey Enrique) en la renombrada serie Los Tudor (2010).

The women of Mad Men: Dra. Faye Miller (Cara Buono)

2011-11-16T08:15:00.000+01:00

Corren vientos de cambio en la nueva agencia Sterling, Cooper, Draper, & Pryce. Y para mejorar en el conocimiento de los gustos de una sociedad cada vez más convulsa, empieza a ser imprescindible la incorporación de un profesional de la psicología que ayude a los creativos a entender aún más las motivaciones del público potencial. Esta persona resulta ser la doctora Faye Miller, una atractiva profesional, liberada y moderna, que muestra muy rápidamente el porqué de su prestigio en el mundo empresarial. Don Draper verá en ella un reto, una persona similar a él, con un sexto sentido para averiguar cuáles pueden ser los mejores criterios comerciales a la hora de afrontar una determinada campaña.

Pero Draper nunca deja a nadie indiferente y las consecuencias, tras romper su relación con él, seran devastadoras.

Señas de identidad: Al Pacino (II)

2011-11-14T08:30:00.001+01:00

Tras las palabras del propio Al Pacino, completamos el retrato de este gran intérprete con las impresiones de varios actores y directores que han trabajado con él a lo largo de los años.

Brian De Palma (director de El Precio del Poder y Carlito's Way)

"Carlito Brigante es la antítesis de Tony Montana. Montana era un ser oscuro y siniestro que utilizaba la fuerza para progresar en el mundo de los narcotraficantes. Sin embargo, Carlito es un hombre de principios que tiene una oportunidad de enderezar su vida, aunque va a tener que luchar para conseguirlo. Muy pocos actores pueden interpretar, con credibilidad, a los dos personajes. Al Pacino es uno de ellos. Su versatilidad le permite hacer frente a toda clase de papeles dramáticos."

Robert De Niro

"Siempre he querido trabajar con Al y me sorprendió que esto ocurriera porque llevábamos mucho tiempo hablando de hacer algo juntos. En el pasado leímos un par de guiones, pero al final no se pudieron llevar a cabo por motivos ajenos. Recuerdo que a veces nos encontrábamos y hablábamos de lo que estábamos haciendo y, de repente, Al mencionaba un papel que le habían ofrecido y yo sorprendidamente le decía: es increíble, a mí también me lo han ofrecido y creí que había sido el primero."

Taylor Hackford (director de Pactar con el Diablo)

"Creo sinceramente que Pacino es nuestro mejor actor. Fue el primero en quien pensé para interpretar el papel de John Milton. Al principio le dije lo que yo quería, él estudió su papel y después empezó a exponer sus ideas, y fue ahí donde realmente floreció Milton."

Keanu Reeves

"Me habían contratado para esta película (Pactar con el Diablo) antes que Al Pacino se sumara al proyecto, pero cuando me enteré de que le habían ofrecido el papel de John Milton y que él había aceptado me emocioné mucho. No sólo por la oportunidad de trabajar con un maestro, sino por él, porque siempre pensé que ese personaje solamente brillaría si lo interpretaba Pacino."

"Yo me crié mirando sus películas y como actor no puedo negar que me ha influenciado mucho. Es uno de mis ídolos. Y luego trabajar con él fue maravilloso. Es un actor increíble. Tiene una gracia y una expresión absolutamente bellas. Su oficio, su capacidad para expresarse libremente son extraordinarios. Todo el tiempo está luchando para encontrar algo nuevo en cada toma, en cada escena. Es un actor con una técnica impresionante. Siempre hace elecciones inteligentes y exhibe, de forma natural, un apabullante sentido del humor."

"Una de las cosas que aprendí es que como actor se siente muy libre y, sin embargo, los diálogos son muy importantes para él. Además, ha encontrado una manera para hacer cambios sutiles, casi imperceptibles, que sirven para acentuar lo que está en el papel, no para tergiversarlo. También aprendí a pelear gracias a él. A luchar por una escena, a no rendirme cuando algo no termina de salir bien. A probar nuevos ángulos, a intentar cosas diferentes todo el tiempo. Al siempre está dispuesto a hacer una nueva toma. Nunca se da por vencido."

Oliver Stone (director de Un Domingo Cualquiera)

"He trabajado con y sin Al durante años. Inicialmente trabajé con él en el guión de Nacido el 4 de Julio, que Pacino iba a interpretar a finales de los 70. Después escribí el guión de El Precio del Poder y finalmente estuvimos a punto de trabajar juntos en el fallido proyecto sobre Noriega. Así que ya había llegado la hora de coincidir definitivamente."

"Pacino es una persona muy enérgica. Además es un trabajador nato que lucha por recrear bien a su personaje. Es una persona muy adaptable que mantiene siempre muy buenas relaciones con todo el equipo. En las escenas de diálogo destila siempre intensidad y efectividad. Tiene un poder interpretativo que asombra, que impone. No imagino a nadie más para encarnar a Tony D'Amato."

Cameron Diaz

"Todo lo que Al hace es fantástico, la forma como anda, habla, se mueve. Quería trabajar con Al para aprender algo sobre este actor asombroso al que he admirado durante toda mi vida. Me sorprendió sobremanera su intensidad. Puede transformarse en Tony D'Amato en sólo un segundo y después, entre tomas, es capaz de coger el balón y ponerse a jugar con los otros actores. Ha sido una experiencia fenomenal y he aprendido mucho."

Charlize Theron

"La experiencia de trabajar con Al Pacino fue maravillosa sobre todo porque, durante el rodaje, él estuvo todo el tiempo con nosotros, y durante un mes previo a la filmación estuvimos en Nueva York ensayando. Es un excelente compañero y un gran maestro. Una tiene que convertirse en una esponja para no perderse nada cuando está con él."

Russell Crowe

"Para mi fue muy interesante poder trabajar con Al Pacino en El Dilema. Es un icono americano y tiene un talento extraordinario. Sin duda alguna, el hecho de coincidir con él supuso un gran momento profesional para mi. Su ayuda durante el rodaje y el saber hacer de Michael Mann permitieron que pudiera sacar adelante un personaje de gran complejidad como es el de Jeffrey Wigand."

Colin Farrell

"Lo que me resultó más interesante del trabajo con Pacino fue que él, después de tantos años en la profesión y teniendo en cuenta la calidad de su carrera y sus grandes interpretaciones, no tiene ningún tipo de divismo. Se integra completamente con el resto del reparto y se siente uno más sin querer en ningún momento obtener un trato de favor por parte del director. Sin duda, Al es uno de los grandes actores de la historia pero como persona es aún mejor. Siento una gran admiración por él."

Helen Mirren

"Trabajar con Pacino fue realmente extraordinario. Resultó muy inspirador y, sin lugar a dudas, supone una cima en mi carrera. Soy afortunada !".

Señas de identidad: Al Pacino (I)

2011-11-10T08:15:00.001+01:00

Al Pacino es uno de los grandes actores de nuestro tiempo. Tiene el reconocimiento del mundo cinematográfico y teatral pero su personalidad, lo que piensa acerca de su profesión, su actitud fuera de escena, es algo no tan conocido para el aficionado al cine.

El propósito del siguiente artículo (dividido en dos entregas) es el de reflejar la personalidad de un hombre en voz propia y ajena. Así pues, profundizemos en las señas de identidad de uno de los grandes del celuloide:

"Siempre prefiero asesorarme conociendo a personajes auténticos, es la mejor forma de crear una base de trabajo que sea objetiva, realista, y posible. Hay que limar la propia imagen y buscar ante todo la identificación con el tipo de personajes que vamos a interpretar."

"El hecho de haber debutado como actor en un escenario es significativo, te otorga una especie de instinto natural y aunque pase el tiempo y esté años sin pisar un teatro, es allí donde realmente te sientes más cómodo. En el cine, lo que ocurre es que llega un momento en el que te das cuenta de la necesidad de trabajar regularmente. Es necesario ponerse a menudo delante de las cámaras porque sino cada vez que inicias un rodaje es como si tuvieras que afrontar un desafío. No existe la experiencia propia como en el teatro. Cada nueva película es la primera."

"Siempre me he considerado un actor de teatro, pero últimamente tengo la sensación de mantener con el cine unas relaciones semejantes. Cada vez me involucro más, sobretodo después de haber aprendido muchísimas cosas sobre el cine al haber desarrollado un proyecto propio como director."

"No pienso demasiado en el estatus. Suelo presentarme en el plató y cumplir con mi trabajo. Pero, al mismo tiempo, uno trata de mantener siempre el mismo entusiasmo. Mientras uno se mantenga entusiasmado por el trabajo todo va bien, pero en cuanto se vuelve una obligación, ya nada tiene sentido. Yo, por ahora, siento que cada film es una aventura, algo nuevo. Sigo aprendiendo con cada trabajo, con cada personaje, y eso es lo que me anima a seguir adelante."

"Hay muchísimos papeles que me gustaría interpretar. Pero yo, como tantos actores, pienso que de una forma u otra, algo va a aparecer en el futuro. Un papel está siendo escrito para mí en este momento y yo no lo sé. Hay un libro que se está escribiendo donde hay un papel para mí, sin que yo me lo imagine."

"Nunca había podido entender la experiencia de ganar un Oscar, porque nunca me había tocado. El hecho de que me hubieran nominado tantas veces y que me hayan invitado a tantas ceremonias ya me parecía un honor. Yo me sentía muy orgulloso con cada nominación que me tocaba. Pero ganar el Oscar es muy especial, porque la entrega de ese premio es algo que ve muchísima gente en el mundo. Tiene una tremenda resonancia posterior aunque la sensación de ganar es algo que sólo dura un par de semanas. Aún así, es innegable que conseguirlo supone una gran satisfacción."

"Muchas veces me siento muy honrado de que la gente quiera saber cosas sobre mi vida privada, porque eso demuestra un interés hacia mi trabajo, y de la única manera en que puedo entender ese fenómeno es tratando de pensar que a mí, a veces, también me interesa saber sobre la vida de otras personas."

"Es muy difícil saber qué película tendrá éxito o no. Las leyes del mercado no son nada estrictas en este sentido. Siempre se espera que sea un éxito el trabajo que uno ha hecho, lógicamente, pero en todo caso es una responsabilidad global. En una película están implicadas muchas más personas, cada una tiene su parte de culpa o acierto en que un film funcione. De todas formas, yo nunca he participado en productos que hayan sido grandes taquillazos, y esto no te obliga a seguir en la misma línea con el siguiente film. Esa sí que es una situación insostenible y que te hace estar más pendiente de las repercusiones comerciales que de tu propio trabajo como actor."

"El Padrino es la película de mi vida porque es un film muy especial, irremplazable. Todo en ella es increíble. Lo que hicieron Francis Ford Coppola y Mario Puzo fue maravilloso, porque lograron plasmar lo que se propusieron explicar desde un principio. Esta película cambió mi carrera, cambió mi vida, aunque no me cambió como actor."

"Durante años Bobby De Niro y yo estuvimos buscando un proyecto en el que pudiéramos trabajar juntos. Todo lo que nos llegaba no nos interesaba demasiado y la cosa se fue alargando. La situación cambió cuando Michael Mann nos presentó su guión de Heat. En principio la acción se situaba en el Chicago de los años 60, aunque ya entonces Michael pensaba en trasladarla al Los Angeles de los 90. Nuestra opinión fue favorable al cambio y así se acabó haciendo. La verdad es que era un proyecto irrenunciable: buena historia, buenos personajes, magnífica propuesta de desarrollo...; Así pues, no había dudas, tenía que filmarse."

"De Niro y yo no tenemos demasiadas escenas conjuntas, debido a la naturaleza de la historia, pero fue muy interesante la conexión que se estableció. Nos veíamos frecuentemente en el set y tuvimos oportunidad de hablar sobre como evolucionaban los personajes etc...; Somos amigos desde hace mucho tiempo y eso se notó en nuestra colaboración."

"Casi siempre se habla de las relaciones que entablas con otros actores con los que has trabajado antes. Bob y yo somos amigos desde hace más de 30 años y existe una gran confianza entre los dos. Creo que nuestra relación en la vida personal y la familiaridad que hay entre nosotros nos ha servido a la hora de trabajar juntos."

"Creo que es fabuloso trabajar con alguien a quien conoces desde hace tiempo; es como trabajar con un miembro de tu familia. Es comprensible que muchas familias de actores hayan hecho cosas juntos porque existe una especie de subtexto por el que dirigirte, que no es otra cosa que la confianza que te inspira actuar con tu gente. Este es el caso de Bob De Niro y yo. Aunque no aparezcamos juntos demasiadas veces en la película, me siento muy afortunado de haber podido trabajar con él."

"Las películas siempre estuvieron alrededor, pero las consideré sólo una opción. Y fue la suerte, sin duda, la que puso en mi camino a directores como Coppola, Brian de Palma, Lumet, Pollack, Friedkin... Pero, me hubiera sentido totalmente realizado si toda mi vida se hubiera desarrollado en el teatro de repertorio. Aunque no sé cuán lejos habría llegado."

"Como padre, intento apartar lo más posible a mis hijas de las películas demasiado violentas, pero las tiendas de vídeos están por todas partes y no podré evitar que algún día las alquilen. De todas formas, la violencia siempre ha estado con nosotros. Es parte de la naturaleza humana, pero también hay otros muchos aspectos en ella que pueden ser casi tan contraproducentes o más en los menores."

The women of Mad Men: Peggy Olson (Elisabeth Moss)

2011-11-08T22:55:00.003+01:00

Hija de una humilde familia de Brooklyn, Peggy Olson entra en Sterling Cooper como nueva secretaria de Don Draper. Pero la joven Peggy no se dejará intimidar por la situación y, poco a poco, irá mostrando su enorme valía. Tras superar una difícil situación personal, Peggy consigue ser la primera mujer en ocupar un cargo ejecutivo en la agencia. Su espíritu creativo la convierte en el mejor complemento posible para Draper, quien la convertirá en su colaboradora más cercana encargandole la supervisión de las campañas publicitarias más relevantes. Elisabeth Moss, en una interpretación contenida pero enérgica, convierte a Peggy en uno de los personajes más entrañables de la serie.

Estamos ante un personaje que experimenta una importante evolución a lo largo de la serie. No sólo laboralmente, sino también personalmente. Ella es la abanderada de un cambio social que cada vez era más patente en la sociedad norteamericana. Ante nuestros ojos, Peggy se irá convirtiendo en una joven decidida a vivir y disfrutar al máximo de los alicientes que le ofrece su época. Sterling Cooper, en el corazón de Manhattan, le va abriendo un mundo de nuevas posibilidades, de nuevos contactos, y eso despertará en ella un carácter rebelde, largamente contenido, que progresivamente se irá abriendo paso. Peggy es una mujer con muchas inquietudes y el Nueva York de principios de los 60 le ofrecerá múltiples posibilidades.

Peggy es el símbolo del cambio, de los nuevos tiempos que irrumpen con fuerza en el irreal, glamuroso, y estereotipado ambiente de la agencia Sterling Cooper.

Mount Rushmore y sus efigies pétreas

2011-11-07T08:45:00.000+01:00

Dos millones de personas visitan anualmente un enclave natural situado dentro de la cordillera de las Black Hills, en Dakota del Sur. Las laderas del Mount Rushmore fueron las elegidas para esculpir los rostros de cuatro de los Presidentes más venerados en la historia de los Estados Unidos.

Su concepción se debe al tenaz impulso del historiador Doane Robinson que, en 1923, elevó una petición al Gobierno solicitando apoyo en la creación de un monumento que debería convertirse en un referente para la región. La idea inicial respondía a la voluntad de incrementar el número de visitantes de la región, lo que favorecería la economía de las comunidades que allí habitaban.

El Presidente Calvin Coolidge (1923-1929) apoyó firmemente el proyecto y consiguió el respaldo del Congreso para que fueran destinados los fondos necesarios. Con el beneplácito Federal bajo el brazo, Robinson convenció al escultor de ascendencia Danesa, Gutzon Borglum, para que se hiciera cargo del diseño artístico.

Borglum viajó a las Black Hills e inspeccionó a fondo las características del sustrato eligiendo el Mount Rushmore por su orientación al sureste, lo que implicaba que iba a recibir una gran cantidad de horas de Sol. La piedra granítica de sus laderas se reveló como la más idónea para esculpir y, a partir de ese momento, las ideas empezaron a brotar.

Finalmente, la Comisión Nacional que se había creado a tal efecto, decidió que se esculpieran las caras de cuatro insignes Presidentes. Quedaba implícito en el mandato que uno de ellos debía ser el Padre de la Patria, George Washington (1789-1797), pero no se decía nada de los otros tres. Sin embargo, el propio Calvin Coolidge especificó que dos de ellos debían ser Republicanos y uno Demócrata.

Con estos preceptos, Borglum tuvo claro cuales debían ser los elegidos. El Demócrata sería Thomas Jefferson, autor de la Declaración de Independencia, ponente de la Constitución, y Presidente entre 1801 y 1809. Abraham Lincoln, primer Presidente Republicano entre 1861 y 1865, debía estar presente por su máxima significación histórica mientras que el último elegido fue Theodore Roosevelt (1901-1909), un hombre de carisma arrollador bajo cuyo mandato los Estados Unidos iniciaron una nueva etapa de progreso en los inicios del siglo XX. Entre los cuatro representaban adecuadamente los primeros 150 años de historia del país.

La construcción empezó el 4 de octubre de 1927, en un trabajo intensivo que implicó a 400 obreros. Pero los años iban pasando y la complejidad técnica de la obra, con los operarios trabajando en difíciles condiciones, comportó que los plazos se fueran alargando. Sin embargo, no hubo que lamentar ninguna víctima mortal durante catorce años. Hasta 1937, no se completaron tres de las caras. Pero la imagen de Teddy Roosevelt aún no se había iniciado debido a su situación más interna dentro de la ladera.

Gutzon Borglum siguió entregado a la tarea de dirigir el proyecto aunque no pudo verlo concluido. Murió meses antes de finalizarlo víctima de una embolia. Su hijo, Lincoln, tomó el relevo y fue el responsable de la dirección en la fase final de ejecución. Desde su puesto, trató de conseguir que el proyecto de su padre se completara totalmente, lo que implicaba esculpir las figuras hasta la cintura. Pero la falta de fondos puso fin a ese objetivo y en octubre de 1941 se dio por acabada la construcción.

A partir de entonces, y ya bajo la jurisdicción del National Park Service, Mount Rushmore se convirtió en lugar de peregrinación para un número, cada vez más significativo, de visitantes. Como enclave de interés histórico nacional, se construyó un centro de visitantes que, con el tiempo, ha ido viendo ampliadas sus instalaciones.

En el cine, el emblemático Mount Rushmore ha tenido una presencia bastante recurrente aunque sobresale en dos películas. La primera de ellas sería Con la Muerte en los Talones (1959), el brillante clásico de Alfred Hitchcock que sitúa su escena de conclusión final en las cumbres del Monte. Huelga decir, sin embargo, que toda esa secuencia se rodó en estudio con la ayuda de matte paintings que trataban de replicar los rostros de los Presidentes. No obstante, hay que recordar que Hitchcock rodó la escena de la presunta muerte de Roger Thornhill (Cary Grant) en el centro de visitantes de Mount Rushmore.

La otra referencia es mucho más reciente puesto que se encuentra en La Búsqueda: El Diario Secreto (2007). Mount Rushmore fue muy bien aprovechado como localización importante de la película al ser el lugar que, según el guión, había sido escogido para ocultar la legendaria ciudad amerindia de Cíbola. El enclave queda inmortalizado con todo tipo de planos y brilla especialmente incluso en planos nocturnos.

Existe otra referencia que mi amigo Octopus echará en falta en cuanto lea el artículo. Lo hablamos en el apartado de comentarios...

The Dark Knight (al estilo de 1966)

2011-11-06T12:00:00.002+01:00

David A. Rose ha vuelto a sorprender con su más reciente creación. Ha conseguido una curiosa y divertida adaptación de la intro de la serie clásica usando personajes y situaciones del Batman de Nolan.

Bond 23 es Skyfall

2011-11-03T14:01:00.009+01:00

"Bond's loyalty to M is tested as her past comes back to haunt her. As MI6 comes under attack, 007 must track down and destroy the threat, no matter how personal the cost."

"We're so delighted to have Sam Mendes direct SKYFALL and be working once again with Daniel Craig. We've a great script, an extraordinary cast and an incredibly talented creative team for this latest James Bond adventure."

Michael G. Wilson

"I can tell you that John Logan has written a fantastic screenplay and Sam Mendes is a class act. They're doing something quite special I think. I think they're going to be great for Bond."

Ralph Fiennes

El Hotel Corinthia, situado en el centro de Londres, ha albergado hoy la presentación del rodaje de la entrega número 23 en la prolífica saga del agente 007. El título del nuevo film se ha revelado y ha coincidido con los rumores que habían aparecido en las últimas semanas. La película que se estrenará, coincidiendo con el 50 aniversario del inicio de la franquicia, llevará el título de Skyfall.

Al acto han asistido los rectores de la saga, Michael G. Wilson y Barbara Broccoli, acompañados por el director Sam Mendes y los actores Daniel Craig, Judi Dench, Javier Bardem, Bérénice Marlohe, y Naomie Harris. No estaban presentes Ralph Fiennes, Albert Finney, y Ben Whishaw. Sobre estos tres últimos, se ha dejado caer que quizá alguno de ellos interpreta a un personaje bastante conocido en la franquicia. Pero la incógnita se mantendrá un tiempo más.

Sam Mendes ha expresado su enorme entusiasmo por emprender esta nueva aventura en su carrera. Afirma que empezó a tener interés por dirigir un film de Bond tras ver la interpretación de Craig en Casino Royale y comprobar el nuevo rumbo que se le pretendía imprimir a la saga. Es tal su implicación que ha anunciado que si la experiencia acaba siendo tan positiva como espera, le encantaría ponerse al mando de la siguiente entrega.

Al mismo tiempo, Mendes ha dejado claro que la fórmula básica continuará bajo su dirección: "Tone of the film follows Casino Royale's footsteps. Action needs to co-exist with the drama… a Bond movie is for the audience, and only for the audience". También ha declarado que el guión escrito por Neal Purvis, Robert Wade, y John Logan es muy bueno y contiene un gran material sobre el que edificar una sólida película.

El rodaje ha empezado esta misma tarde en localizaciones del distrito de Whitehall, en Londres. En las próximas semanas continuará la filmación en exteriores y en Pinewood Studios. En los próximos meses, el equipo viajará a Shanghai, Istanbul, y Escocia.

Finalmente, parece que Moneypenny no va a estar presente. Naomie Harris interpreta a una agente de campo llamada Eve. La actriz británica lleva dos meses entrenando físicamente para un papel que le va a exigir una buena cantidad de escenas de acción.

La exuberante actriz francesa, Bérénice Marlohe, dará vida a la glamurosa y enigmática Severin mientras que Bardem asume el rol principal de villano aunque pocos detalles más se han conocido sobre su backstory. Lo que sí sabemos es que Skyfall no va a contener referencias a la organización criminal Quantum.

Los rostros de Bond (VI): Daniel Craig

2011-11-02T23:25:00.007+01:00

"It's over to you, kiddo"

Con estas palabras, Barbara Broccoli le confirmaba a Daniel Craig que el papel de Bond era suyo.

Tras dieciocho meses de especulaciones, en octubre de 2005 se confirmaba la contratación de Daniel Craig. Lo que se vivió a partir de entonces fue uno de los casos más esperpénticos conocidos en el cine reciente. Una serie de pseudo-aficionados iniciaron una injustificada campaña contra la decisión de Eon productions, afirmando que Craig no se ajustaba al canon del personaje. Esta repulsa sin precedentes al nombramiento de un nuevo actor se mantuvo durante algo más de un año, aunque fue perdiendo relevancia a medida que iba llegando material promocional y trailers de Casino Royale (2006).

Cuando la película se estrenó, la polémica no sólo se terminó sino que asistimos a un fenómeno prácticamente unánime de aplauso a la interpretación de Craig y a su idoneidad para representar a James Bond en la nueva etapa que Michael G. Wilson y Barbara Broccoli habían abierto en la franquicia. De alguna manera, quedó evidenciado, una vez más, que ciertos juicios y valoraciones deben realizarse tras ver los resultados de un trabajo, nunca antes.

Lo cierto es que Daniel Craig siempre fue el preferido de Barbara Broccoli para sustituir a Pierce Brosnan. Pero Michael G. Wilson insistió en hacer pruebas de cásting con más candidatos y así fue como el croata Goran Visjnic casi logró el papel. Lo que al final le dejó fuera fue su incapacidad para reproducir el acento británico. También les resultó interesante Henry Cavill pero, a los 22 años, se le consideró demasiado joven para dar vida a 007.

Barbara quería anunciar el fichaje de Craig en mayo de 2005 pero estos últimos cástings demoraron el proceso y no fue hasta el 14 de octubre cuando el actor nacido en Chester fue presentado oficialmente en una rueda de prensa cerca del Tower Bridge. La pre-producción del film llevaba tiempo en funcionamiento, con Martin Campbell de nuevo al frente de las operaciones, así que todo estaba dispuesto para reiniciar la franquicia con la adaptación de la primera novela de Ian Fleming.

En esta tema no soy objetivo. Creo fervientemente que Casino Royale es uno de los mejores títulos de la saga y sitúo a Daniel Craig al mismo nivel que Sean Connery. Los guionistas del film colocaron a Bond al inicio de su carrera en el MI-6 y definieron el devenir de 007, en su primera misión importante, mostrándonos el proceso que éste realiza a medida que va aprendiendo lo que implica ser un agente secreto con licencia para matar.

Sobre esa base, Daniel Craig realizó un magnífico trabajo ofreciendo diferentes facetas del personaje, no conocidas previamente. Le vemos aprendiendo a disfrutar de los privilegios que su puesto implica a la hora de disfrutar de los mejores alojamientos, vuelos, y coches. También muestra dudas y se equivoca en algunas de sus decisiones, producto de una gran autoconfianza que no se sustenta aún en una experiencia previa. Se mueve más que nunca por impulsos y es incontrolable y devastador cuando entra en acción.

El Bond de Craig recupera lo mejor de la esencia literaria del personaje. Su contundente perfil de sicario del Gobierno Británico está representado mejor que nunca. Resulta curioso ver su rechazo inicial a vestir el legendario tuxedo, o la poca importancia que concede al hecho de pedir su bebida preferida. Bond sigue comportándose como un ex-miembro de los cuerpos de élite de la Marina Británica y aún no ha aprendido a a disfrutar de los momentos que le ofrece su nueva posición.

En este sentido, es extraordinariamente relevante el rol que juega Vesper Lynd (Eva Green). Su relación con ella ayudará a construir al personaje que todos conocemos. Vesper es su primer interés sentimental como agente 00, y su traición final provocará que Bond se proteja más en el futuro y mantenga siempre sus defensas elevadas, prefiriendo evitar la implicación emocional.

Estos nuevos elementos hicieron de Casino Royale una gran aportación para la franquicia. El film insufló aire fresco a la saga y Daniel Craig se convirtió en el símbolo de una nueva etapa que prometía ser apasionante.

En cierto sentido, el siguiente film supuso un cierto desazón puesto que la expectativa que se había creado era muy grande. Quantum of Solace fue una película plagada de sensacionales escenas de acción y la ola de venganza que Bond desataba era un motor narrativo muy potente. Pero, en el marco de esa propuesta, los guionistas parecieron olvidar que la evolución de 007 debía continuar. Y al no tratar eso, la cinta se convirtió en un buen título pero quedó muy lejos del nivel que Casino Royale había establecido.

Criadas y señoras (The Help)

2011-10-31T23:30:00.002+01:00

Jackson (Mississippi), a principios de la década de los 60, seguía representando un modelo de segregación racial estricto. La población de raza negra vivía completamente separada de las clases altas burguesas aunque, eso sí, se mantenía la tradición de contratar a las mujeres como criadas en las casas familiares. Además de ocuparse de todas las tareas domésticas, realizaron durante décadas una gran labor al criar a los hijos mientras sus verdaderas madres se dedicaban a eventos sociales y demás actividades de ocio. Este reverso oscuro del idílico "American Way of Life" es el foco de atención de Criadas y Señoras.

Basándose en el best-seller de Kathryn Stockett, el director y guionista Tate Taylor sorprende agradablemente construyendo una cinta que rezuma pasión, emotividad, y sensibilidad. Un ejemplo de cine social bien construido que, sin pretender convertirse en referente exclusivo de una época, es capaz de retratar una serie de características en el marco de una etapa histórica del sur de los Estados Unidos.

Taylor, que prácticamente debuta con este largometraje, se apoya también en un excelente reparto de actrices, capaces de llevar en volandas la narración de la película. El cuidado cásting consigue ofrecernos algunas de las mejores interpretaciones del año. Resulta impecable el trabajo de Viola Davis en el papel de la sufrida Aibileen Clark (atención a la escena en que recuerda la muerte de su hijo, sencillamente impresionante) y también el de Octavia Spencer dando vida a la indomable Minny Jackson.

Emma Stone continúa confirmando su status de actriz en alza, capaz de asumir papeles de exigencia, y no se puede decir menos de la gran Sissy Spacek (memorable en su papel de la señora Walters), y de Bryce Dallas Howard, sobre la que recae el rol de "villana" de la función. Tampoco podemos olvidar a la poliédrica Jessica Chastain, que también se sigue confirmando como una intérprete a tener muy en cuenta en el futuro.

Tate Taylor ha sido capaz de integrar este enorme caudal interpretativo dentro de un guión equilibrado, con importantes dosis de humor en un contexto dramático, y que se caracteriza por mantener un pulso narrativo constante que logra mantener la atención del espectador a lo largo de los 137 minutos del film. Por consiguiente, creo que estamos ante una de las películas revelación del año. Viendo sus datos de taquilla, no cabe duda de que se está convirtiendo en un sleeper o éxito sorpresa, y todos los que han estado implicados en ella van a beneficiarse de un fuerte impulso en sus carreras.

Es difícil obtener un grado de emotividad tan grande como el que consigue Criadas y Señoras. Y esto lo consigue a base de pinceladas, de momentos muy bien dosificados a lo largo del metraje. Cuando hay tal grado de involucración y entrega, resulta más fácil tocar la fibra sensible porque las situaciones y las interpretaciones trascienden más y ese es el éxito de una película que nunca trata de ser un film que sente cátedra en el retrato de una época. Su objetivo no es otro que contarnos la historia de una serie de personajes en un contexto concreto. No busca adoctrinar ni ofrecernos la enésima versión sobre cómo se vivieron los conflictos raciales en los 60. Lo que vamos a presenciar es lo que sucede entorno a unas personas que tratan de vivir dentro de un sistema separador sin perder la entereza ni el amor propio. La película es un reflejo del enorme poder que posee el espíritu humano para superar y derribar cualquier obstáculo.

Quizá por todo ello, lo único que eché en falta en la película fue que se llegara al momento en que se firmó el Acta de Derechos Civiles (1964), una ley federal histórica que barrió para siempre la segregación racial y la discriminación en los estados del Sur. Un momento clave en la mejora social de un país que seguía dividido en los derechos de las comunidades y que, gracias a la implementación de esta legislación, inició un camino de reconciliación sin vuelta atrás posible.

Segundo trailer de Mission Impossible: Ghost Protocol

2011-10-28T12:00:00.003+02:00

Llega un trailer más completo de la nueva entrega de Mission Impossible. Tom Cruise retoma el papel del superagente del IMF, Ethan Hunt, en esta impactante secuela. Brad Bird, un habitual de la factoría Pixar, debuta en el cine de imagen real con este macroproyecto que producen Cruise y JJ Abrams.

Josh Appelbaum y Andre Nemec escribieron un guión que fue retocado posteriormente por el siempre brillante Christopher McQuarrie.

Jeremy Renner, Ving Rhames, Simon Pegg, Paula Patton, Josh Holloway, Léa Seydoux, Vladimir Mashkov, y Tom Wilkinson, acompañan a Cruise en esta nueva aventura.

El estreno en Estados Unidos está previsto para el 21 de diciembre.

Cheverny, inspiración para Hergé

2011-10-28T11:40:00.000+02:00

Es muy recomendable realizar una ruta por los majestuosos castillos de la región del río Loira. Uno de ellos es Cheverny. Construido entre 1624 y 1630, está abierto al público desde 1914.

Precisamente, uno de sus visitantes fue Georges Prosper Remi más conocido como Hergé (1907-1983). La estructura del castillo le inspiró a la hora de crear el castillo de Moulinsart, residencia del Capitán Haddock en la saga de aventuras de Tintín.

En las fotos puede apreciarse el enorme parecido aunque Hergé hizo Moulinsart algo más pequeño al no incorporar las dos alas del palacio. Aún así, se puede observar que la estructura central es practicamente idéntica.

En el día del estreno de Las Aventuras de Tintín, es interesante conocer esta referencia.

Los rostros de Bond (V): Pierce Brosnan

2011-10-26T08:00:00.001+02:00

Cuando Metro Goldwyn Mayer-United Artists y Eon productions resolvieron sus diferencias legales, estábamos ya en 1994. Habían pasado cinco años desde el estreno de Licencia para Matar. Este parón sin precedentes implicó cambios importantes.

Tras la renuncia de Timothy Dalton había que contratar a un nuevo actor protagonista y, además, la salud de Albert Broccoli había empeorado bastante. Cubby decidió dar un paso atrás y entregó la máxima responsabilidad a la nueva generación. Así fue como su hija, Barbara, y su hijastro, Michael G. Wilson, tomaron las riendas del nuevo proyecto. Albert Broccoli murió siete meses después del estreno de Goldeneye y el siguiente film, Tomorrow Never Dies, estuvo dedicado a su memoria. Desde entonces, su nombre aparece al inicio de los títulos de crédito, al mismo nivel que el de Ian Fleming.

Wilson, que llevaba trabajando en Eon desde 1972, conocía de primera mano las características de la saga habiendo sido productor y guionista de varias películas. Sin embargo, tanto él como Barbara, eran partidarios de hacer cambios que revitalizaran la franquicia. Empezaron contratando a guionistas completamente nuevos para que aportaran ideas frescas y renovadas. Así fue como implicaron a cuatro escritores (Michael France, Kevin Wade, Jeffrey Caine, y Bruce Feirstein) para que fueran aportando su visión en lo que acabó siendo el guión definitivo de Goldeneye (1995).

Quizá la última decisión de Cubby Broccoli, antes de ceder el timón, fue la de contratar a Pierce Brosnan. Tras no poder conseguirlo en 1987, el actor irlandés por fin se hacía con el personaje que tanto se ajustaba a su presencia y estilo interpretativo. No habiendo más impedimentos y bajo la enérgica dirección de otro debutante en la saga, Martin Campbell, el regreso de Bond a la gran pantalla fue enormemente exitoso.

El público estaba ávido de 007 y, además, se consiguió atraer a una nueva generación de espectadores que conectó rápidamente con la fórmula y los planteamientos de una película de acción que seguía manteniendo los cánones del personaje pero, a la vez, introducía nuevos elementos preparando el terreno para competir con otras grandes producciones del género que estaban cautivando al público mediante grandes dosis de espectacularidad.

Brosnan firmó un contrato para tres películas, con opción a una más . A Goldeneye le siguieron El Mañana Nunca Muere (1997), y El Mundo Nunca es Suficiente (1999). Los rendimientos económicos aumentaban en cada título y debido a eso los productores le renovaron para intervenir en el siguiente título: Muere Otro Día (2002).

El Bond de Brosnan también incorporó nuevos elementos que merece la pena comentar. Pierce siempre comentó que quería aproximarse al personaje desde otra óptica tratando de profundizar más en las características que le hacían ser quien es. Como había ocurrido en anteriores ocasiones, los guionistas se adaptaron a ese planteamiento y configuraron un Bond más humanizado y vulnerable. Una de los aspectos que más claramente definen la etapa de Brosnan es la relación de 007 con las mujeres. La misoginia y el desdén deja paso a una relación mucho más emocional. Bond se implica mucho más y se entrevee que podría enamorarse con mucha más facilidad que antes. En este sentido, su fuerte arraigo con mujeres como Paris Carver (Teri Hatcher) o Elektra King (Sophie Marceau) supone una muestra importante de ello. Incluso la traidora Miranda Frost (Rosamund Pike) parecía despertar en él un sentimiento de pena al verla muerta.

Esta vulnerabilidad emocional, que sólo había sido expresada en Al Servicio Secreto de su Majestad (1969), también se deja ver con otros personajes. El caso más claro lo vemos en Goldeneye donde tenemos la oportunidad de comprobar la fuerte amistad que le une con otro agente del MI-6: Alec Trevelyan (Sean Bean). Su afectación tras la muerte de éste y la reacción que tiene cuando comprueba que sigue vivo y que todo aquello había sido una mascarada para ocultar su traición, comporta que Bond sufra una cierta crisis interior. Él se autoconvence de que Trevelyan es ahora su enemigo y no dudará en eliminarle pero interiormente sufre y eso es bien palpable en las horas previas al enfrentamiento final. Natalya Simyonova (Izabella Scorupco) le recrimina diciéndole "¿ Cómo puede ser tan frío ?" porque detecta la turbulencia que sufre en su interior ante lo que está a punto de hacer.

Estamos, pues, ante una aportación importante y trascendente para la saga. Sin duda fue la mayor contribución de Brosnan en sus cuatro films. Su etapa al frente del personaje pudo ser más larga. De hecho él mismo había declarado que le hubiera gustado hacer seis películas. En MGM también creían que podía seguir puesto que aún tenía 49 años y las cintas estaban funcionando fenomenalmente en taquilla. Cabe recordar que Muere Otro Día marcó un record histórico dentro de la franquicia al recaudar, a nivel mundial, la impresionante cifra de 432 millones de dólares.

A lo largo de 2003 y parte de 2004 hubo contactos entre Brosnan y los productores pero algo diferente parecía flotar en el ambiente. Pierce veía poca voluntad de entendimiento y en julio de 2004 anunció que dejaba el personaje.

Esa falta de decisión por parte de Wilson y Broccoli no era tal sino que respondía a una reflexión profunda acerca de como querían encarar la continuidad de la saga. En un audaz y para algunos ilógico movimiento, los productores decidieron dar un golpe de timón. Creían que las enormes recaudaciones no debían cegarles. Era necesario anticiparse a un posible agotamiento de la audiencia realizando cambios que aseguraran frescura y dinamismo.

Esta nueva vuelta de tuerca pasaba por volver a los orígenes del personaje adaptando la primera de las novelas que Ian Fleming escribió: Casino Royale. Este argumento, debidamente actualizado, les permitiría presentar al personaje desde sus inicios como agente 00, cosa que nunca antes había sido vista en la gran pantalla. Y en el esfuerzo de presentar de nuevo al personaje y rodearlo de elementos que definirían su actitud y trayectoria futuras, estaba claro que Brosnan no encajaba. Hacía falta un nuevo actor, más joven e impetuoso. Alguien capaz de recuperar las esencias literarias que Fleming estableció. Y ese hombre iba a ser Daniel Craig.

Bienvenidos a la segunda temporada de Boardwalk Empire, el mayor espectáculo del mundo... en los años 20.

2011-10-24T23:25:00.000+02:00

La "magnánima" obra de Enoch "Nucky" Thompson (Steve Buscemi) al frente de la tesorería de Atlantic City está dejando a muchos damnificados por el camino. Y uno de ellos no es otro que su mentor, el Comodoro Louis Kaestner (Dabney Coleman). Su decidido impulso, y las poderosas influencias políticas que posee, pueden ser la fuerza decisiva que les permita usurpar el imperio de contrabando de licor, corrupción, y negocios sucios que Thompson ha construido con los años. Varios ex-colaboradores suyos están convencidos de ello y por eso han decidido unirse a Kaestner, con quien comparten unos irrefrenables deseos personales de tomar cumplida venganza por los agravios que han sufrido a las órdenes de Nucky. Jimmy Darmody (Michael Pitt) se convierte así en el brazo armado del grupo.

Pero Nucky no va a claudicar. Nunca hay que menospreciar el valor de un león ejaulado porque cualquiera de sus arañazos puede resultar mortal. Y eso es lo que él va a hacer ante el lobby que pretende aislarle y destruirle.

Lo que sucede a continuación es una guerra encubierta, una guerra de influencias, de contactos y sobornos, y en ella participarán varios nombres "ilustres" de la época. En Nueva York, Arnold Rothstein (Michael Stuhlbarg) va a movilizar a sus "wise guys", Charlie Luciano (Vincent Piazza) y Meyer Lansky (Anatol Yusef), para que ayuden a Nucky a distribuir sus remesas de licor en Philadelphia (la costa de Atlantic City está bloqueada por la Guardia Costera, que sigue órdenes del Comodoro).

Mientras, en Chicago, Johnny Torrio (Greg Antonacci) envía a su mejor hombre, Al Capone (Stephen Graham), para que deje constancia de que los negocios con Nucky ya no están tan claros como antes y quizá se imponga cambiar de aliados. El Bureau of Prohibition sigue haciendo redadas e incautaciones de alcohol en la zona de New Jersey, bajo las órdenes del temible e inestable Nelson Van Alden (Michael Shannon). Pero ¿ de veras creen que una infradotada unidad formada por oficinistas y novatos puede representar un peligro para los avezados gángsters ?

Entramos en la América de 1921, en plena vigencia de la Volstead Act. Una época que es representada de una forma cruda y realista en Boardwalk Empire. Si la primera temporada nos dejó con ganas de más, la segunda está superando las expectativas mientras introduce más elementos que aumentan la tensión narrativa y el interés por conocer más acerca de ese interesantísimo periodo histórico.

Por si faltaba poco, las conexiones de Nucky Thompson llegan incluso hasta la nueva administración Republicana que acaba de llegar a la Casa Blanca en 1921. El propio Presidente, Warren Gamaliel Harding, debe un favor a Thompson aunque el que está más implicado en ello es su jefe de campaña convertido ahora en Fiscal General de los Estados Unidos: Harry M. Daugherty (Christopher McDonald).

Desde un garito de juego en Nueva York, donde asoma la cabeza un jovencísimo Benny "Bugsy" Siegel, hasta un prostíbulo en Chicago, pasando por los carteles luminosos del paseo marítimo de Atlantic City; se nos va introduciendo, con un ritmo impecable, en los entresijos de unas vidas marcadas por la avaricia, la corrupción, y el espíritu de beneficio individual. Las fórmulas de vida honrada son para perdedores, ningún hombre que haya probado el suculento modo de vida de los gángsters es capaz de volver atrás. Quien entra en el vendaval de los negocios sucios queda impregnado de por vida y, a partir de ese momento, solo cuenta ganar dinero cada vez más rápido y apartar a todo aquél que pueda interponerse en la realización de esos planes.

Tras ver los primeros capítulos, creo que hay que seguir apostando por Nucky como vencedor de esta confrontación. ¿ Qué pensáis vosotros ?

Caballeros medievales en el sur de California

2011-10-21T23:30:00.003+02:00

Charlton Heston fue un coloso del cine. Se caracterizó por ser un actor que honró a su profesión con interpretaciones en películas de gran complejidad técnica y logística. Aportó realismo y profundidad a sus interpretaciones amparándose en su imponente presencia, que ya de por sí conseguía hacerle creible ante el público. No me cansaría nunca de homenajear a este titán pero hoy quiero tratar una pequeña historia (nada comparable a lo sucedido en el rodaje de Mayor Dundee).

En su espléndida autobiografía, publicada a mediados de la década de los 90, el veterano actor explicaba las vivencias adquiridas durante los largos viajes que realizaba mientras saltaba de un rodaje a otro. En la década de los 60, esto fue más patente que nunca.

Pero, en 1964, Heston aceptó intervenir en El Señor de la Guerra, un relato medieval que iba a ser dirigido por Franklin J. Schaffner. El guión escrito por Millard Kaufman y John Collier, se basaba en una obra teatral de Leslie Stevens que describía las vicisitudes de un caballero normando, Chrysagon, cuando asume el control como nuevo señor feudal de un remoto territorio en la Francia del siglo XI.

Heston no estaba interesado en participar en una nueva película medieval que transitara por los habituales caminos hollywoodienses de irrealidad histórica y contexto glamuroso. Pero cuando leyó el guión se dio cuenta que se encontraba ante una gran oportunidad. Y eso se debe al hecho de que El Señor de la Guerra fue la primera película de un gran estudio que fue capaz de reflejar, con mayor verosimilitud, el estilo de vida y de gobierno en la Alta Edad Media. Por fin se mostró la dureza de esos tiempos, la brutalidad, y la violencia descarnada. Y además, se reflejó la organización feudal como nunca antes. Chrysagon es un señor que vive en un pequeño torreón y que tiene derecho a percibir rentas y a dominar la vida de sus bárbaros vasallos hasta el último extremo.

Quedaron atrás los grandes decorados de majestuosos castillos que nunca existieron en la realidad. La vieja costumbre de hacer de Camelot el referente para la creación de películas medievales se vino definitivamente abajo con este film de Universal Pictures.

Así pues, Charlton Heston volvió a romper barreras con su participación en la película y reafirmó su consabido buen ojo para elegir proyectos. Además, este rodaje le aportó otra importante satisfacción personal. En esta ocasión, no tendría que irse a la otra parte del mundo para filmar porque Franklin Schaffner decidió localizar los exteriores en varias áreas naturales de California (Colusa County y Marysville) y también en las cercanías de Malibú, donde se encontraba el domicilio familiar de Heston.

En su autobiografía suele citar que hubo dos películas que le reportaron una gran tranquilidad y sosiego en la década de los 60. Una fue El Señor de la Guerra y la otra el western Will Penny (1968). En ambas producciones, casi todos los días podía volver a su casa al final de la jornada y eso fue muy reconfortante para él.

Pero en El Señor de la Guerra sucedió una anécdota interesante. Durante la mayor parte de los días de rodaje en exteriores siempre había un joven de unos 17 o 18 años apostado tras las barreras de seguridad del set. El muchacho solía llevar una libreta en la que escribía sin parar y parecía querer empaparse de todo lo que alcanzaba a ver. Era tal el seguimiento y la fidelidad del joven que un día Heston se acercó hasta la valla y se interesó por saber lo que hacía.

El caso es que ese joven inquieto era un tal Steven Spielberg, futuro alumno de la escuela de cine de la Universidad del Sur de California. Su pasión por el cine, desarrollada a muy temprana edad, le movía a tener interés por estar presente en los rodajes y por conocer el oficio, aunque fuera desde la distancia. Enterado de que el equipo de Schaffner estaba rodando en las cercanías de Malibú, el joven Spielberg no dudó en acercarse.

Nunca concluyó sus estudios en la USC pero, gracias a una beca que obtuvo para trabajar como guía en Universal Studios, Spielberg fue entrando en el negocio y gracias a sus prometedores cortometrajes consiguió que le dieran la oportunidad de dirigir episodios de series de TV como Night Gallery, Marcus Welby, y Colombo. Y ese fue el inicio de una carrera brillante y meteórica.

Los rostros de Bond (IV): Timothy Dalton

2011-10-19T23:25:00.004+02:00

"I think Roger was fine as Bond, but the movies had become too much techno-pop and had lost track of their sense of story. I mean, every movie seemed to have a villain who had to rule or destroy the world. If you want to believe in the fantasy on screen, then you have to believe in the characters and use them as a stepping-stone to lead you into this fantasy world. That's a demand I made, and Albert Broccoli agreed with me.”

Timothy Dalton

Cada vez que un nuevo actor ha asumido el papel de James Bond, la franquicia ha sufrido convulsiones y cambios que en muchas ocasiones han venido determinados por las diferentes personalidades de los intérpretes elegidos y el consiguiente nuevo enfoque que aportaban.

Cuando Roger Moore dejó la saga en 1985, Eon Productions volvió a entrar en un gran proceso de renovación iniciando un nuevo casting para elegir al cuarto actor que asumiría el protagonismo. En esta ocasión, Albert Broccoli recuperó a Timothy Dalton (a quien ya quería contratar en 1968) e incluyó a Sam Neill, Lewis Collins, y Pierce Brosnan en las pruebas. Muy pronto se vio que Neill y Collins no eran los idóneos. En cambio, Dalton convenció completamente.

Pero el actor galés, con una sólida trayectoria interpretativa forjada en el teatro y el cine, tenía varios compromisos pendientes y rechazó el papel por falta de tiempo. Ante esta situación, Broccoli optó por contratar a Pierce Brosnan, un intérprete irlandés que acababa de concluir un largo periplo en una serie de televisión de la NBC que había sido cancelada por una fuerte caída en su audiencia: Remington Steele.

Todo parecía encarrilado aunque nada más lejos de la realidad. Cuando la NBC se enteró de la noticia, decidió ejercer una opción en el contrato de Brosnan por la cual podían renovarle automáticamente el compromiso para una temporada más. Hasta la sede de la cadena había llegado una gran cantidad de cartas de aficionados que pedían que la serie continuara ahora que su protagonista iba a ser James Bond.

Pero esta prórroga unilateral del contrato de Brosnan no hizo más que enfurecer a Albert Broccoli que, muy indignado, optó por rescindir el convenio con el irlandés afirmando lo siguiente: "Remington Steele nunca será James Bond". Lo curioso del caso es que la audiencia de los nuevos episodios de Remington nunca remontó y al final sólo se rodaron cinco episodios de esa hipotética última temporada. Ese moribundo compromiso cerró las puertas a Brosnan aunque, como todos sabemos, se le iba a presentar otra oportunidad más adelante.

Desesperados ante la situación, Broccoli y Michael G. Wilson volvieron a reunirse con Dalton y le presentaron un plan de rodaje que podía adecuarse al tiempo del que disponía. Finalmente, consiguieron su implicación y nunca mejor dicho porque se puede asegurar, con rotundidad, que Dalton es el actor que más se ha sumergido en el mundo literario de Bond para prepararse en su papel. The Living Daylights (1987), con guión de Richard Maibaum y Michael G. Wilson, fue su debut en la franquicia.

El galés siempre había sido un gran seguidor del personaje y solía repasar las novelas de Fleming en el set de rodaje. Como queda claro en las palabras que destaco al inicio del artículo, Dalton quería volver a las esencias de 007 desmarcándose del tono más cómico que caracterizó la etapa de Roger Moore. Los responsables de la franquicia estaban en perfecta sintonía con esa demanda y escribieron guiones más oscuros, intensos y complejos, adaptándose a los tiempos y alejándose del enfrentamiento entre bloques como motor principal de la narración.

Además, el Bond de Dalton es el primero que empieza a manifestar abiertamente su desacuerdo con las órdenes que recibe. Su lealtad se mantiene firme aunque se cuestiona, en varias ocasiones, algunas de las indicaciones que le llegan confiando más en su instinto y experiencia para solucionar los problemas que se le van presentando.

El crítico y especialista en 007, Stephen Jay Rubin, escribió que el Bond de Dalton era el candidato idóneo para ser paciente de una consulta de psiquiatría. Sus implicaciones personales se inmiscuyen constantemente en su misión dando como resultado un sufrimiento que es bien palpable en la interpretación. Dalton hace gala de una contención y un lenguaje gestual que te hace llegar una sensación de enorme sufrimiento. A diferencia de sus predecesores, casi nunca "disfruta" de su peligroso trabajo.

En su segunda y última encarnación de Bond, Licencia para Matar (1989), 007 llega incluso a ser repudiado por el MI-6 cuando se niega a dejar de investigar el ataque sufrido por su amigo Félix Leiter. A partir de entonces le vemos actuando por libre, como un rogue agent, dispuesto a desatar un huracán con tal de destruir el imperio del narcotraficante Franz Sánchez (Robert Davi).

A pesar de que los rendimientos económicos de ambas películas no fueron extraordinarios, los productores y United Artists querían continuar por ese camino y estaba previsto que Dalton volviera en una nueva película que debía estrenarse en 1992 y que ya tenía título: The Property of a Lady (título que procedía de una novela corta de Ian Fleming).

Pero todos esos planes se desvanecieron cuando empezó una enorme batalla legal entre las diferentes compañías implicadas en la franquicia. La imposibilidad de iniciar la pre-producción acabó provocando la renuncia definitiva de Timothy Dalton.

Estoy entre los que piensan que sus dos películas fueron buenas. Licencia para Matar es uno de los títulos que más he visto y que más me interesan. Me gusta su aproximación al personaje y la evolución del mismo a lo largo del film. Me apasionó la venganza salvaje que 007 decide emprender contra el imperio de un gran villano. Un hombre que verdaderamente parecía capaz de poner al mundo en jaque con su persistente y continuada actividad criminal. Y, además, considero que la canción principal, en la voz de Gladys Knight, es una de las mejores de toda la saga. Sé que estos comentarios pueden suscitar opiniones contrarias y la verdad es que la voluntad de provocación está muy unida a estos artículos.

Especial "The Age of Scorsese" en Harper's Bazaar

2011-10-18T23:15:00.002+02:00

La prestigiosa revista Harper's Bazaar ha realizado su particular homenaje al cine de Martin Scorsese como anticipo al estreno de su más reciente trabajo como realizador: La invención de Hugo.

Y su aportación ha sido, como no podía ser de otra forma, elegante y brillante. Han recreado varios momentos de algunas de las películas del cineasta utilizando a actores actuales. La puesta en escena y la exactitud en la caracterización permite que podamos saber, casi instantáneamente, a qué película pertenecen cada una de las fotos. Harper's Bazaar apela al bagaje cinematográfico del lector para sorprendernos con una apabullante reinterpretación de algunos clásicos inmortales.

Keanu Reeves y Chloe Moretz emulando a Robert de Niro y Jodie Foster en Taxi Driver (1976).

Christina Hendricks (Joan Holloway en Mad Men) y Jack Huston (Richard Harrow en Boardwalk Empire) recrean una escena que Cameron Diaz y Leonardo di Caprio protagonizaban en Gangs of New York (2002).

Emily Blunt se convierte en una nueva Ellen Burstyn para representar a la icónica Alice Hyatt de Alicia ya no Vive Aquí (1974).

Howard Hughes y Katharine Hepburn vivieron un apasionado romance a finales de la década de los 30. Scorsese recreó maravillosamente el glamour del Hollywood clásico y construyó el entorno adecuado para que Leonardo di Caprio y Cate Blanchett se sintieran parte de la historia del cine en El Aviador (2004). Alessandro Nivola y Emily Mortimer reproducen de nuevo ese mágico instante.

Un habitual del cine reciente de Scorsese, Ben Kingsley, se junta con dos miembros del reparto de Boardwalk Empire, Michael Pitt (Jimmy Darmody) y Vincent Piazza (Charlie "Lucky" Luciano), para recrear el gran clásico Uno de los Nuestros (1990). Resulta curioso ver a estos intérpretes representando, por un instante, los papeles que recayeron en Joe Pesci, Robert de Niro, y Ray Liotta.

Kate Bosworth representa a la Condesa Ellen Olenska en esta recreación de La Edad de la Inocencia (1993). Esta será la única posibilidad de que una actriz tan floja pueda al menos acercarse a un tipo de cine que siempre le será vetado.

Eilean Donan, un castillo muy cinematográfico en el corazón de Escocia

2011-10-14T19:12:00.000+02:00

En el área occidental de las Highlands escocesas, dentro del lago Duich, se alza el solitario castillo de Eilean Donan.

Esta curiosa construcción, que se levanta sobre la islita del mismo nombre, fue construido en el siglo XIII. En 1719, durante un importante levantamiento jacobita, el castillo fue el escenario de una dura batalla en el que la Marina Inglesa acabó cañoneando los muros del castillo destruyéndolo casi por completo.

No fue hasta 1919 cuando empezaron los trabajos de reconstrucción, que dejaron el castillo con el aspecto actual en 1932.

El particular y pintoresco enclave del monumento ha atraído especialmente a los localizadores de exteriores. La primera película que rodó escenas allí fue El Señor de Ballantrae (1953). La película dirigida por William Keighley fue uno de los últimos grandes títulos que protagonizó Errol Flynn.

Después vendría La Vida Privada de Sherlock Holmes en 1970 (en una breve escena en que Sherlock, Watson, y Gabrielle Valladon, inspeccionan varios castillos buscando el escondite del Club Diógenes). Y, en 1986, fue el escenario de varias secuencias de Los Inmortales. Los clanes escoceses se reúnen allí y marchan después hacia la contienda.

En los 90, el castillo fue reproducido en Rob Roy, La Trampa (donde se convertía en la mansión privada de Robert MacDougal), y El Mundo Nunca es Suficiente (oficiando de cuartel general alternativo del MI-6 tras el atentado acaecido en la sede de Londres al inicio del film).

Un paraje idílico y, nunca mejor dicho, inmortalizado eternamente en la pantalla de cine.

Primer trailer de The Avengers

2011-10-11T22:00:00.002+02:00

Los rostros de Bond (III): Roger Moore

2011-10-10T23:00:00.001+02:00

Concluida la etapa de Sean Connery, los productores se vieron inmersos en una nueva fase de interminables cástings para encontrar a un nuevo actor que fuera perdurable. United Artists llegó a tantear al mismísimo Clint Eastwood, recién salido del gran éxito que supuso Harry el Sucio (1971). Eastwood reconoció estar halagado con la propuesta pero declinó afirmando que un actor norteamericano nunca debería interpretar a James Bond.

Broccoli y Saltzman, por su parte, ya tenían una larga lista de candidatos formada por Julian Glover, Jeremy Brett (uno de los mejores Sherlock Holmes), Simon Oates, John Ronane, y William Gaunt. Pero en los cástings ninguno de ellos acababa de convencer y finalmente decidieron ofrecerle el papel a Roger Moore, un intérprete inglés de curtida fama en la televisión gracias a series como Maverick, El Santo, y Los Persuasores. El hándicap de Moore se centraba en que era más veterano que el actor al que reemplazaba (tenía tres años más que Connery). Iba a empezar su periplo en la franquicia con 45 años y eso propició que se tuviera a un actor en la recámara por si Moore decidía dejar la saga. Ese hombre era Michael Billington, un intérprete que pasará a la historia como el "Bond que nunca fue...."

Hasta 1979, Billington mantuvo la esperanza de asumir el personaje. De hecho, se mantuvo cerca de la producción llegando a interpretar a Sergei Barsov, el novio de Anya Amasova (Barbara Bach), que muere al inicio de La Espía que me Amó (1977). Pero Roger Moore se reveló como el actor que más tiempo ha estado vinculado a la franquicia y el que más películas protagonizó. A pesar de su edad, y tras cumplir su primer contrato por tres películas, siguió renovando su compromiso con Eon Productions y envejeció demasiado con el personaje. En su último film, Panorama para Matar (1985), contaba ya con 57 años y estaba muy limitado para resultar creíble en persecuciones, saltos, peleas, y otras situaciones de peligro.

Su legado fue muy amplio y algunas de sus películas son míticas dentro de la saga. Aunque también representó lo peor de la franquicia y protagonizó algunos de los momentos más ridículos nunca vistos. Si Ian Fleming hubiera estado vivo, se hubiera puesto las manos a la cabeza en más de una ocasión y no le faltaría razón.

Roger Moore es el Bond con el que crecimos muchos de nosotros y eso le otorga el cariño especial de toda una generación pero, siendo objetivos, hay que criticar las situaciones risibles (por utilizar un calificativo amable) que se vieron en Vive y Deja Morir (1973), El Hombre de la Pistola de Oro (1974), La Espía que me Amó (1977), y especialmente Moonraker (1979), a la que califico como el peor film de toda la saga.

Afortunadamente, la década de los 80 trajo nuevos vientos y los guionistas parecieron cambiar su enfoque. Así fue como los tres últimos títulos de Moore fueron sus mejores trabajos: Solo para sus Ojos (1981), Octopussy (1983), y Panorama para matar (1985).

La elección de Roger Moore implicaba cambios ineludibles en la caracterización del personaje. El incipiente talento cómico del intérprete londinense quiso ser aprovechado por los guionistas que, película tras película, definieron a un Bond más cómico, burlón, y casi auto-paródico. Lejos quedó la contundencia, la dureza, y la brutalidad extrema que caracterizó a 007 desde sus inicios literarios. Los años 70 exigían un Bond adaptado a la cultura pop, a la banalidad estética, y a la intrascendencia moral. Nos encontramos, pues, con un profundo lapso de 12 años en los que James Bond se convirtió en un símbolo más de una idea estética irrecuperable y ridícula.

007 siguió conquistando a mujeres, librando combates, y asesinando por encargo pero todo ello estaba enlatado dentro de un producto colorista y circense que, aprovechando la guerra fría y los clásicos villanos megalómanos, desarrolló una historia tras otra olvidando por el camino la verdadera esencia del mejor agente del Servicio Secreto Británico.

Pero el éxito comercial acompañaba esta deficitaria propuesta y así fue como Broccoli aún quería que Moore continuara más allá de 1985. Por suerte, el intérprete no renovó el contrato aduciendo el tema de la edad como factor determinante. No cabe duda de que "Cubby" Broccoli fue un gran productor, que edificó los cimientos de la saga cinematográfica de 007 a base de voluntad y sacrificio, pero siempre le faltó algo más de visión a medio plazo.

En 2005, las películas de Pierce Brosnan habían recaudado las cifras más impresionantes jamás vistas en la franquicia pero eso no enturbió la visión de la hija de Broccoli, Barbara, y su marido, Michael G. Wilson. Ellos detectaron que, a pesar de las grandes cifras, buena parte del público sentía cansancio por una propuesta que siempre aportaba lo mismo. Y decidieron hacer un cambio radical antes de ver caer los rendimientos. Tomaron una decisión arriesgada estando en la cumbre pero convencidos de que era lo mejor. Así fue como decidieron prescindir de Brosnan y apostar por un nuevo actor que rejuveneciera la saga y con el cual pudieran regresar a los orígenes literarios del personaje en lo que fue la apasionante Casino Royale (2006).

Viendo como "Cubby" administró la saga durante su mandato, se me hace difícil creer que llegara a tomar una decisión parecida. Pero, obviamente, esto pertenece al terreno de la hipótesis.

Trailer de My Week with Marilyn

2011-10-06T22:45:00.000+02:00

En el verano de 1956, Marilyn Monroe viajó a Inglaterra para rodar El Príncipe y la Corista. Recién casada con el dramaturgo Arthur Miller y, aconsejada por el legendario acting coach Lee Strasberg, Marilyn decidió alejarse de la presión de Hollywood para vivir otro ambiente y poder trabajar a las órdenes de un genio de la interpretación: Laurence Olivier.

Con esta película, Marilyn inició la última etapa de su carrera artística. A partir de ese momento redujo sus apariciones en la gran pantalla en un intento fallido de cambiar su registro interpretativo. Entre 1957 y 1962 sólo estrenó cuatro películas que, dicho sea de paso, contienen sus mejores interpretaciones.

Durante ese verano de rodaje en que la inestabilidad emocional de Marilyn llegó a desesperar a Olivier, la estrella y futuro mito de Hollywood vivió una serie de situaciones que fueron documentadas en dos diarios personales del ayudante de dirección Colin Clark.

Tras la marcha de Arthur Miller de Inglaterra por motivos profesionales, Clark vivió una semana de intensa convivencia con Marilyn. El guionista Adrian Hodges ha convertido ese material en guión y así es como nos llega My Week with Marilyn, una interesante película dirigida por el debutante Simon Curtis.

Michelle Williams asume el reto de interpretar a Marilyn Monroe tras imponerse a las otras candidatas del casting (Scarlett Johansson, Kate Hudson, y Amy Adams). Kenneth Branagh tiene la oportunidad de dar vida a su admirado Laurence Olivier mientras que en Dougray Scott recae el rol de Arthur Miller. También participan en el film Judi Dench, Derek Jacobi, Dominic Cooper, Julia Ormond (en el papel de Vivien Leigh, esposa de Olivier), Emma Watson, y Eddie Redmayne, que interpreta a Colin Clark.

BBC Films y los hermanos Weinstein comparten la producción de una cinta que supone una aportación más al subgénero del "cine dentro del cine".

Los rostros de Bond (II): George Lazenby

2011-10-06T08:25:00.001+02:00

Timothy Dalton pudo ser Bond mucho antes de 1987. En 1968, "Cubby" Broccoli ya había pensado en el por entonces jovencísimo actor galés. Pero éste declinó la oferta por considerarse demasiado joven para el papel. Los caminos del destino volverían a cruzarse en la vida de Dalton a mediados de los 80 y entonces dijo sí.

Quiso el destino que Broccoli acabara encontrando al nuevo Bond en un anuncio de televisión. El elegido era el desconocido George Lazenby, un australiano de 29 años que nunca había trabajado en el cine.

La prueba de casting que realizó acabó de convencer aún más a los productores al propinar un fuerte golpe a un especialista con el que realizaba un ensayo de combate cuerpo a cuerpo. La agresividad que Lazenby ofrecía y sobre todo el bajo sueldo que exigía, fueron determinantes para que decidieran ponerle al volante de un precioso Aston Martin.

No le fue fácil a un actor sin experiencia asumir un personaje icónico en una franquicia exitosa. Y el panorama se complicó aún más por la propia temática de la película elegida. Al Servicio Secreto de su Majestad (1969) es el film de Bond más atípico puesto que nos cuenta la historia de cómo un mujeriego empedernido cae en los brazos de la joven Condesa Teresa De Vicenzo (Diana Rigg) y llega a contraer matrimonio con ella. La cinta concluía con Bond y Teresa iniciando su viaje de novios en coche y siendo abordados por Ernst Stavro Blofeld (Telly Savalas) que, en su intento de eliminar a 007, acaba con la vida de su esposa.

Era una historia rompedora pero básica para construir la biografía del personaje. La viudedad de Bond le cambia para siempre y, a partir de ese momento, radicaliza aún más sus métodos y opta por no volver a comprometerse con ninguna otra mujer. Ian Fleming creó una trama que le otorga entidad y justificación al protagonista y el cine tenía que abordarla en algún que otro momento, aunque fuera en la sexta entrega de la saga.

Lazenby, pues, afrontó un reto difícil e intentó mostrarnos a un personaje conocido en circunstancias extraordinarias o casi imposibles teniendo en cuenta el bagaje y trayectoria de Bond. Su escasa expresividad y su rudeza, indisimuladamente poco refinada, no ayudaron a que su trabajo pudiera ser considerado como aceptable. Sin embargo, Broccoli estaba convencido de que tenía a un actor de futuro y le ofreció un contrato para siete películas. Aunque las cifras de recaudación habían bajado respecto a la película anterior, se mantuvieron suficientemente altas y la cinta fue una de las más exitosas de 1969.

Pero entonces ocurrió uno de aquellos momentos en que las personas juegan a ser futurólogos y casi siempre fallan en sus predicciones. El flamante agente artístico de Lazenby le desaconsejó firmar el contrato porque creía que la figura de Bond era profundamente anacrónica y poco acorde con los tiempos presentes. Según él era más que evidente que, en los 70, la franquicia se eclipsaría y bajaría el interés del público.

Y así fue como Lazenby fue un visto y no visto como James Bond. Quizá debemos agradecer a ese representante "agorero" su pésima prognosis al creer acabada una saga que es la más larga de la historia del cine y sigue extraordinariamente fuerte en el siglo XXI. Su error permitió librarse de un actor hierático, de rostro pétreo y cuadrado; alguien impropio para vestir el esmoquin y seducir a mujeres al mismo tiempo que disfruta de un martini con vodka.

Su carrera posterior fue el reflejo de sus escasas habilidades interpretativas y se acabó perdiendo en producciones de serie B, y telefilms.

Su presencia en la saga es casi anecdótica aunque hizo cosas que no se han vuelto a ver. El ejemplo más claro es la ruptura de la "cuarta pared". Ocurre al inicio de la película cuando pronuncia aquello de... "This never happened to the other fellow..."

Hay que tener en cuenta que era el primer relevo en la franquicia y el guionista Richard Maibaum quiso introducir algún elemento extra que fuera parte de una broma interna entre el protagonista y el público.

Trailer de War Horse

2011-10-05T00:05:00.004+02:00

Steven Spielberg recupera su toque más emotivo con su nueva película, War Horse. Sólo hace falta ver los primeros instantes del trailer para ver que estamos ante una película de extraordinaria sensibilidad y brillante planificación.

La epopeya de un caballo de guerra y su particular relación con un inocente muchacho promete ofrecernos algunos de los instantes más conmovedores de la nueva temporada cinematográfica. Una película ideal para ser estrenada en las fiestas navideñas. Un canto a la inocencia, a la voluntad inquebrantable, y a los sentimientos puros.

El joven Jeremy Irvine debuta en la gran pantalla de la mano de Spielberg y le acompaña un brillante reparto de actores británicos: David Thewlis, Emily Watson, Tom Hiddleston, Benedict Cumberbatch, Eddie Marsan, y Peter Mullan.

Los rostros de Bond (I): Sean Connery

2011-10-02T14:15:00.005+02:00

Cuando Albert Broccoli y Harry Saltzman planeaban la producción del primer film de Bond que habían decidido realizar, Dr. No (1962), pensaban en ofrecerle el papel de 007 a Cary Grant. Pero dos dificultades se presentaban en el camino. En primer lugar, el alto salario que exigiría una superestrella de Hollywood (Dr. No disponía de un presupuesto muy ajustado para una producción de este tipo); y no menos importante era el hecho de que Grant nunca se habría comprometido para más de una película. Estas razones fueron suficientemente evidentes para que los productores abandonaran esa idea imposible.

Con la llegada de Terence Young al puesto de director, surgió el nombre de Richard Johnson. Pero éste no podía aceptar porque tenía un contrato exclusivo con MGM. Entonces la atención se dirigió hacia el norteamericano Patrick McGoohan, que había destacado interpretando a un espía en la serie de televisión Danger Man. Tras rechazar la oferta, se consideró también al emblemático David Niven, aunque siempre fue más una fantasía que una realidad factible.

Tras fracasar todas estas opciones, se decidió buscar entre intérpretes menos conocidos y empezaron a realizarse sesiones de casting. A una de ellas acudió un rudo actor escocés, de 30 años, llamado Sean Connery. Era demasiado brusco y desaliñado para dar vida a Bond pero en la prueba demostró que tenía un carácter y una forma de expresión que le daba muchos puntos en la valoración final. Su actitud contundente y viril convenció a los productores. Cuando el screen test acabó, Broccoli y Saltzman miraron por la ventana mientras Connery se dirigía hacia su coche y ambos estuvieron de acuerdo en que era el hombre indicado.

Con el apoyo del gran jefe, Connery se hizo con el papel y firmó un contrato para intervenir en cinco películas. En cuanto al tema del refinamiento, el escocés recibió un curso intensivo de buenos modales por parte de Terence Young. Además, le sumergió en la noche londinense llevándolo a buenos restaurantes, casinos, y locales lujosos. Le mostró el tipo de vida que haría Bond si existiera y culminó su immersión con visitas a los mejores sastres de Savile Road.

Ian Fleming fue inicialmente contrario a la elección de Connery. Sus palabras fueron: "no es un hombre que coincida con la imagen que yo he descrito en los libros". Y añadió que en él no veía al Comandante Bond sino a un "rudo y robusto especialista para escenas de acción". Pero su impresión cambió totalmente después de ver Dr. No. Quedó tan impactado por la credibilidad de Connery en el papel, que hasta llegó a modificar la biografía del personaje, en las últimas novelas, adjudicándole unos ancestros medio escoceses.

Connery había llegado al mundo de la interpretación tras ser un trotamundos laboral. Sus modales rudos habían sido forjados por su experiencia como mozo de limpieza en discotecas, obrero en una fundición, repartidor de carbón, camionero, y maquinista de teatro, entre otras cosas. También trabajó como modelo para clases de dibujo y fue haciendo esta actividad cuando le recomendaron que se presentara a las pruebas de selección para el musical South Pacific, en el West End londinense. Consiguió entrar en ese mundo y de allí pasó a participar en telefilms para la BBC, que le catapultaron hacia pequeños papeles en películas de serie B. En ocasiones, también pudo formar parte de proyectos algo más elevados y así fue como en uno de ellos coincidió con Lana Turner. En ese set de rodaje se produjo un altercado con el entonces novio de la estrella de Hollywood: Johnny Stompanato.

Así pues, la posibilidad de conseguir el papel de Bond colmaba sus aspiraciones para poder hacerse con un nombre en la industria que después le permitiera emprender una carrera fructífera en la gran pantalla. Aceptó firmar un contrato para intervenir en cinco films como agente 007. A Dr. No (1962), le siguió Desde Rusia con Amor (1963), Goldfinger (1964), Operación trueno (1965), y Sólo se Vive Dos Veces (1967). Tras este último film anunció que dejaba el personaje pero cuando su sustituto, George Lazenby, decidió no prolongar su relación contractual con la franquicia, "Cubby" Broccoli volvió a llamarle para que interviniera en un film más. Los posibles sustitutos no convencían o no estaban dispuestos y la producción de Diamantes para la Eternidad (1971) no podía demorarse. Connery acabó aceptando porque le pagaron la astronómica cifra de 1,2 millones de libras (actualmente equivaldría a 16 millones de dólares).

Con Diamantes para la Eternidad, Connery puso fin a una etapa clave en su carrera artística (recordemos que Nunca Digas Nunca Jamás (1983) no es una película oficial de la saga). Ya en los 60 había combinado las películas de Bond con una carrera paralela propia en la que ya había trabajado con Alfred Hitchcock, Sidney Lumet, e Irvin Kershner. Lo que vino después es de sobras conocido y no cabe duda de que, hasta su retirada en 2003, Sean Connery se convirtió en una gran estrella del celuloide y en un valor seguro para cualquier proyecto.

El Bond que Connery compuso es el que siempre se ha considerado como el mejor según los cánones de las novelas creadas por Ian Fleming. Su dureza natural fue el mejor reflejo posible para reflejar las bases de un personaje que cumple con su trabajo sin piedad alguna. Sentó las bases del Bond cinematográfico que ha ido perdurando pero destacó especialmente en la contundencia; algo que se ha echado en falta con actores posteriores.

Con su interpretación estableció el patrón del nuevo héroe de acción que revolucionó al cine de los 60. Al mismo tiempo, se movió como pez en el agua derrochando encanto con las mujeres pero a la vez tratándolas con un asombroso desdén. Algo que en los tiempos actuales sería considerado como "machismo recalcitrante". Pero así estaba definido en las páginas de Fleming y así debía hacerse.

El Bond de Connery respondió perfectamente a la definición de "cold, bloody, son of a bitch killer", patentada por el propio Ian Fleming. Sus encarnaciones pasan por ser las mejores de toda la saga pero yo quiero reseñar un aspecto importante. Tengo una gran admiración por el trabajo que está desempeñando Daniel Craig en los últimos años y pienso que con él se han recuperado esos trazos de dureza y contundencia que le hacían tanta falta al personaje. Y creo que es por ello que sus películas han conseguido un éxito tan rutilante. El público quería y añoraba esa brutalidad y por fin hemos podido recuperarla, adaptándola a los usos y costumbres del siglo XXI.

Tarantino completa un casting de lujo para Django Unchained

2011-10-02T10:15:00.000+02:00

El film con el que Quentin Tarantino homenajeará al spaghetti western, va tomando forma con un reparto multiestelar.

Leonardo Di Caprio dará vida a Marvin Candie, el sádico y cruel propietario de la plantación Candyland, en Mississippi.

Jamie Foxx asume el rol de Django, un esclavo liberado que pretende recuperar a su esposa del yugo de Candie. Tarantino le ofreció el papel, previamente, a Will Smith pero éste declinó la oferta.

Christoph Waltz interpreta a King Schultz, un cazarecompensas de origen alemán que, tras liberar a Django, se alía con él para acabar con Candie. Tarantino escribió el personaje pensando específicamente en Waltz.

No podía faltar Samuel L. Jackson. Su personaje, llamado Stephen, es el capataz de la plantación.

Kurt Russell sustituye a Kevin Costner en el papel de Ace Woody, un sádico inmoral que se dedica a entrenar a los esclavos para los combates en los que se apuestan grandes cantidades de dinero por parte de los nobles sureños. En cuanto a las mujeres esclavas, ejerce de proxeneta, cediéndolas al mejor postor.

El rodaje dará inicio próximamente con vistas a su estreno en diciembre de 2012. El proyecto, como tal, es sumamente interesante. Esperemos que no se desarrolle por los mismos cauces que convirtieron a Malditos Bastardos en un film irregular y desestructurado.

Comparten la producción y distribución Sony Pictures y los hermanos Weinstein.

Hitchcock y las actrices rubias

2011-09-29T08:00:00.000+02:00

El célebre crítico norteamericano, Roger Ebert, escribió en una ocasión lo siguiente: "Los personajes femeninos en el cine de Alfred Hitchcock reflejan siempre una serie de cualidades. Suelen ser mujeres rubias, frías, y bastante distantes. Están encarceladas por un vestuario que combina sutilmente moda y fetichismo. Cautivan de forma magnética a los hombres, que a menudo sufren limitaciones físicas o psíquicas."

Escribir sobre la magna carrera de uno de los cinco mejores directores de la historia del cine serviría para cubrir la extensión de un blog entero. Mi propósito, con este artículo, es el de profundizar en una de las características estilísticas más evidentes del cine de Hitchcock: la utilización de protagonistas femeninas rubias.

Muchas fueron las blondes de Hitchcock y coparon los carteles de la mayoría de sus films (aunque con notables excepciones en el caso de Joan Fontaine y Tallullah Bankhead, entre otras) siendo una de las muestras más indicativas de su estilo estético.

Hitch solía justificarlo de esta forma: "Las rubias son las mejores víctimas. Son como la nieve recién caída, capaz de mostrar huellas de sangre con asombrosa nitidez." Pero él iba más lejos de esta poética apreciación. Reconocía ser un feminista de corazón y sólo hace falta ver algunas de sus películas para ver que las mujeres suelen ganar la partida a pesar de enfrentarse a numerosos obstáculos. Construyó grandes personajes femeninos a lo largo de su trayectoria y les dio una entidad fuera de lo común para el cine de su época.

Pero en el tema de las rubias hay que admitir un importante componente fetichista por parte del director. Aunque había otros temas que siempre atrajeron al realizador, nada podía hacerle sombra a la fascinación que sentía por ellas.

Las "hitchcock blondes" son una marca estética de la historia del cine y es imposible imaginar sus películas sin la aportación de esas bellas y distantes mujeres, capaces de hacer lo impensable en el momento menos esperado. Ellas nunca dan un paso atrás cuando las situaciones se precipitan y a veces son las que arriesgan sus vidas para salvar a los hombres. Eso sí, siempre manteniendo inalterada su imagen radiante en pantalla.

Repasemos, pues, cuales fueron las principales representantes de esta idea estilística surgida de la poderosa fuerza visual del realizador británico:

Madeleine Carroll

39 escalones (1935), El Agente Secreto (1936)

Antes de su llegada a Hollywood en 1939, Hitchcock había desarrollado una carrera prolífica en Inglaterra. Dirigió 24 películas en quince años y fue progresando en su labor hasta crear varios films que son grandes clásicos del cine británico de entreguerras. Su espléndida labor rebasó fronteras y el productor David O. Selznick no dudó en ofrecerle un contrato con su compañía. Su primera asignación fue Rebeca (1940). Se abría una etapa en la que la factoría de los sueños engrandeció las posibilidades de Hitch gracias a la mayor cantidad de medios técnicos a su alcance. Y así fue como consiguió forjarse una carrera que pasó a los anales de la historia del cine.

Pero regresando al periodo británico, hay que destacar que allí encontramos a la primera de las Hitchcock blondes. Se trataba de Madeleine Carroll, una actriz de larga trayectoria en el teatro y el cine inglés, que fue seleccionada para protagonizar dos de las mejores películas de la primera etapa del realizador.

Carole Lombard

Matrimonio original (1941)

Una de las pocas comedias en la carrera de Hitchcock. Y una película que también le reunió con la esposa de Clark Gable. Lombard era una gran estrella de la época y saltaron algunas chispas con el director. Durante ese rodaje fue cuando Hitch pronunció la famosa frase: "Los actores son como el ganado". A pesar de ciertas rencillas, el ambiente del rodaje siempre fue cordial y quizá hubiera contado más veces con Lombard de no haber muerto en un fatal accidente aéreo a finales de enero de 1942.

Priscilla Lane

Sabotaje (1942)

Esta película provocó el primer enfrentamiento entre Hitchcock y Selznick. El director creía en el proyecto pero al magnate no le convencía y le acabó diciendo que si quería llevarla adelante tendría que ser para otro estudio. Así fue como el proyecto llegó a Universal que, sin embargo, no podía hacer frente al presupuesto inicial y esto implicó tener que renunciar a los dos actores que el realizador deseaba: Gary Cooper y Barbara Stanwyck. Al final encontró a la rubia que buscaba en la joven Priscilla Lane, una actriz que obtuvo cierta fama entre finales de los 30 y principios de los 40.

Ingrid Bergman

Recuerda (1945), Encadenados (1946), Atormentada (1949)

Pasamos ahora a una de las mejores actrices de la historia del cine. La bella intérprete sueca se distinguió siempre por su extraordinaria capacidad artística. Construyó una carrera brillante poblada con películas representativas de cinematografías diferentes e incluso opuestas. Y todo lo hizo con la clase y distinción que siempre la caracterizó. Con Hitchcock su colaboración fue enormemente fructífera y se convirtió en la primera actriz con la que llegó a trabajar en tres ocasiones. Después la igualaría Grace Kelly.

Su papel en Encadenados fue especialmente notable. En el marco de una película revolucionaria en el plano técnico y donde la tensión y el drama casi pueden palparse, Bergman rayó a gran altura bajo el enfoque de un director que se convirtió en su más grande admirador. Sólo su marcha a Italia impidió que pudiera alargarse aún más esa relación creativa y profesional.

Marlene Dietrich

Pánico en la escena (1950)

Tras once años en Hollywood, Hitchcock decidió rodar Pánico en la Escena en Londres. Aprovechó la animadversión que existía entre las dos protagonistas, Marlene Dietrich y Jane Wyman, en beneficio de la película. Una rivalidad en pantalla que procedía de la enemistad que reinaba entre bastidores.

Anne Baxter

Yo confieso (1953)

Hitch quería trabajar con Anne Baxter desde que ésta había intervenido en Eva al Desnudo y creyó que el drama Yo Confieso era el mejor proyecto para sus cualidades. Junto a Montgomery Clift y Karl Malden, la película se convirtió en uno de los dramas más sentidos y emotivos en la carrera del realizador.

Grace Kelly

Crimen Perfecto (1954), La Ventana Indiscreta (1954), Atrapa a un Ladrón (1955)

Ingrid Bergman fue la primera en marcar una época dentro de las protagonistas femeninas en el cine de Hitchcock. Grace Kelly fue su sucesora.

La actriz de Philadelphia había hecho una prueba de cámara al poco de llegar a Hollywood. Este legendario screen test fue visionado por grandes directores y, aunque su carrera en la gran pantalla iba avanzando, varios fueron los que decidieron contratarla basándose únicamente en la belleza, clase, y buen hacer interpretativo que desprendía en la prueba. John Ford la eligió para Mogambo en base al test y lo mismo ocurrió con Hitchcock. Cuando estaba preparando Crimen Perfecto sondeó su disponibilidad y la contrató en cuanto fue posible.

Entre ambos surgió una relación muy cordial y afable. Grace no dudó al aceptar intervenir en La Ventana Indiscreta, a pesar de que eso implicó tener que desechar la oportunidad de trabajar con Marlon Brando en la oscarizada La Ley del Silencio.

Esta relación profesional duró todo lo posible. Su temprano compromiso con el Príncipe Rainiero de Mónaco significó el final de su carrera artística aunque Hitchcock siempre la tuvo en mente y llegó a ofrecerle el papel de Marnie, la ladrona. Pero la Casa Real de Mónaco juzgó inapropiado que su Princesa volviera a trabajar en el cine y así se perdió lo que hubiera sido una gran oportunidad de verla de nuevo en pantalla.

Doris Day

El hombre que sabía demasiado (1957)

Doris Day destacó siempre en películas musicales y comedias románticas. Su inclusión en este film se debió a que su personaje era el de una cantante retirada que había disfrutado del éxito internacional. Cuando se piensa en esta película siempre viene a la mente la interpretación del clásico "Que Sera, Sera (Whatever will be, will be)", que llegó a ganar el Oscar y a ser uno de los singles más vendidos de la época.

Kim Novak

Vértigo (1958)

Una de las actrices más atractivas de la historia del cine no podía faltar en la filmografía de Hitchcock. En el doble papel de Judy Barton (morena) y Madeleine Elster (rubia), Kim Novak consiguió ofrecer el aura de misterio e intriga que su papel exigía. A diferencia de anteriores trabajos suyos, aquí consiguió expresar un ideal de belleza etérea, casi intocable. Cautiva desde el primer momento en que aparece en pantalla.

Vértigo es una de las películas del director británico que más influencia han generado en realizadores posteriores. Brian de Palma fue especialmente seducido por la propuesta y recuperó varios elementos para sus films Obsesión y Doble Cuerpo.

Eva Marie Saint

Con la Muerte en los Talones (1959)

Para el papel de Eve Kendall en el clásico North by Northwest, Hitch decidió contar con otra de las grandes actrices rubias del momento: Eva Marie Saint.

La actriz de Newark resultó ser la idónea para representar el personaje de una mujer que devanea entre diferentes lealtades. Un background que le otorga un aura de misterio que ella se encarga de desprender durante la mayor parte de sus intervenciones.

Janet Leigh

Psicosis (1960)

Pasamos de un clásico a otro. Psycho es otra de las obras cumbres del director. Un ejemplo de planificación, puesta en escena, planos memorables, narrativa argumental... lo tiene prácticamente todo. Y también incluye una interpretación breve pero absolutamente destacable. Janet Leigh está presente sólo en el primer tercio del film pero suyos son los mejores momentos en el contexto de un trabajo extraordinario en el que es capaz de mostrar actitudes completamente opuestas con gran credibilidad (determinación y cobardía, devoción y traición, fuerza y vulnerabilidad). Más allá de los momentos que todos recordamos, no cabe duda que Psicosis es una de las mejores interpretaciones en la carrera de la que fuera esposa de Tony Curtis.

Tippi Hedren

Los Pájaros (1962), Marnie (1964)

Tippi Hedren cierra esta brillante lista de actrices rubias en la filmografía de Alfred Hitchcock. Hedren destacó en el mundo de los anuncios comerciales durante la década de los 50. Y fue en uno de esos anuncios donde llamó la atención de Hitch. Vio en ella algunos de los elementos de sofisticación y belleza que caracterizaban a su venerada Grace Kelly. Convertido en su mentor, la hizo debutar en Los Pájaros junto a Rod Taylor (que sustituyó al inicialmente previsto Cary Grant). Y cuando Grace Kelly no pudo regresar al cine, Hedren asumió también el papel de la ladrona Marnie, junto a Sean Connery.

En los años posteriores, nunca volvió a disfrutar de papeles tan agradecidos y, de alguna manera, quedó marcada por ellos. Pero es innegable que la madre de Melanie Griffith tiene el honor de haber trabajado con uno de los mayores talentos de la historia del cine en películas de gran repercusión.

Maestros de la música de cine: Dimitri Tiomkin

2011-09-24T13:31:00.000+02:00

En la historia de la música de cine hay algunos nombres que están grabados en letras de oro. El séptimo arte ha sido el canal idóneo para que muchos compositores hayan creado maravillosas partituras que, con el tiempo, se han convertido en himnos reconocibles por el gran público con sólo escuchar un par de compases.

Hasta ahora, he hablado con profusión del maestro John Williams, un mito por derecho propio en la historia de la composición musical cinematográfica. Pero ha llegado el momento de rendir tributo también a los grandes compositores clásicos que, con sus piezas, dieron vida a las exuberantes producciones de la edad de oro de Hollywood.

Y puestos a empezar, he decidido hacerlo con un gran compositor que vino del Este: Dimitri Tiomkin. Nacido en el seno de una familia judía rusa (Kremenchuk,1894), Dimitri se inició en la música a muy temprana edad instruido por su propia madre. Al pertenecer a una familia de posibles (su padre era un reputado científico) no le faltaron medios para continuar con su aprendizaje musical en San Petersburgo, donde recibió clases de grandes concertistas de piano.

Con el triunfo de la revolución bolchevique en Rusia, decidió trasladarse a Berlín con su padre. Allí continuó su preparación al tiempo que daba sus primeros pasos en la composición. En 1924 se traslada a París donde exhibe su dominio del repertorio clásico en las más prestigiosas salas de la ciudad de las luces. El productor teatral neoyorkino, Morris Gest, estaba en platea durante una de sus actuaciones y decidió contratarle como responsable musical de una compañía de ballet clásico.

Su llegada a Nueva York se produce en 1925 y no tarda en actuar en el Carnegie Hall con un repertorio de obras de Ravel, Scriabin, Poulenc, y Tansman. La crisis de Wall Street en 1929 reduce las oportunidades de trabajo en la Gran Manzana y es entonces cuando decide trasladarse a Hollywood donde su esposa había sido contratada como supervisora de números de baile en los musicales de la Metro. Tiomkin quería seguir con su carrera de concertista de piano pero, paralelamente, empezó a trabajar para los estudios haciendo arreglos. Esa implicación fue cada vez a más llegando a debutar como compositor de bandas sonoras en el clásico Alicia en el País de las Maravillas (1933). Su afán por continuar la carrera de concertista se vio truncada cuando se rompió un brazo en 1937. A partir de ese momento, decidió centrarse en la composición cinematográfica. Su amistad con Frank Capra allanó el camino puesto que el director decidió contar con él para la música de varias de sus películas: Horizontes Perdidos (1937), Vive como Quieras (1938), Caballero sin Espada (1939), Juan Nadie (1941), y Qué Bello es Vivir (1946). En esos años también empezó a trabajar con Howard Hawks y, con el tiempo, se convirtió en colaborador habitual de Alfred Hitchcock en títulos como La Sombra de una Duda (1943), Extraños en un Tren (1951), Yo Confieso (1953), y Crimen Perfecto (1954).

Con Fred Zinnemann estableció también una relación profesional fructífera. Tras componer la partitura de Hombres (1950), el debut de Marlon Brando en la gran pantalla, aceptó ocuparse del western Sólo ante el Peligro (1952). La película cosechó una mala aceptación en los pases de prueba y el estudio decidió posponer su estreno. Fue entonces cuando Tiomkin adquirió los derechos de la canción que él mismo había compuesto, "Do not forsake me, oh my darlin", y la volvió a grabar con la voz de Frankie Laine. El single registró unas ventas impresionantes en todo el país y fue entonces cuando United Artists decidió contratar a Tex Ritter para que interpretara la canción en la versión final de la película. El éxito del film fue apabullante y en la gala de los Oscar se alzó con cuatro estatuillas.

A lo largo de su carrera, que incluye más de 120 bandas sonoras, Tiomkin destacó especialmente en el western. Suyas son algunas de las melodías más reconocibles del género en películas como Duelo al Sol, Río Rojo, La Gran Prueba, Duelo de Titanes, Río Bravo, El Último Tren de Gun Hill, Los que no Perdonan, El Álamo, etcétera. Pero también hay que recordar que tocó todos los géneros y sus partituras están presentes en películas tan diversas como El Ídolo de Barro, Cara de Ángel, Tierra de Faraones, Gigante, El Viejo y el Mar, Los Cañones de Navarone, o 55 Días en Pekín.

Entre los galardones obtenidos por tan excelsa carrera destacan cuatro premios Oscar: Sólo ante el Peligro (BSO y Canción original), Escrito en el Cielo, y El Viejo y el Mar. Fue nominado hasta en 15 ocasiones más. Ganó ocho Globos de Oro y su trabajo en High Noon fue reconocido por el American Film Institute como una de las 10 mejores bandas sonoras de la historia.

Con su muerte, en 1979, desapareció un mito pero nació una leyenda.

Los acontecimientos reales se combinan con la ficción en Mad Men

2011-09-21T22:30:00.000+02:00

Mad Men ha conseguido, por cuarto año consecutivo, el Emmy a la mejor serie dramática de la temporada. Aunque los nuevos capítulos no llegarán hasta marzo de 2012, es un buen momento para recordar algunos de los elementos más interesantes que aporta la serie. Hoy nos centramos en la mezcla entre realidad y ficción.

La localización temporal de la serie en la década de los 60 se aprovecha para situar la trama general en momentos trascendentes de la historia americana. El aprovechamiento y la conexión con los hechos reales es claramente deliberado y contribuye a darle un valor de documento histórico-social.

Repasemos algunos de los hechos históricos que aparecen en Mad Men:

- El Partido Republicano contrata a la agencia Sterling Cooper para llevar la campaña publicitaria de Richard Nixon en Nueva York. En la noche electoral del 8 de noviembre de 1960, todo el personal se reúne en torno a la televisión para seguir los resultados. La victoria de los Demócratas, liderados por John F. Kennedy, decepciona a los creativos aunque encontrarán otras formas de compensar este fracaso.

- El primer vuelo orbital tripulado de la NASA (20 de febrero de 1962) tiene un eco en la serie cuando se comenta que el astronauta John Glenn recibirá un baño de masas en el desfile por la Quinta Avenida.

- El 1 de marzo de 1962, un boeing 707 de la compañía American Airlines se estrelló poco después de despegar de Nueva York. Los 95 ocupantes del avión murieron instantáneamente y, durante muchos años, fue la catástrofe aérea más importante en territorio estadounidense. El ejecutivo de cuentas Pete Campbell recibirá una triste noticia cuando sepa que su padre era uno de los viajeros.

- Una triste noticia golpea la agencia durante la mañana del 5 de agosto de 1962, poco antes de que varios de los empleados comiencen sus vacaciones. Marilyn Monroe, la gran estrella del cine, es encontrada muerta en su domicilio de Los Ángeles.

- Durante la llamada Crisis de los Misiles de Cuba (octubre de 1962), la situación de tensión política y militar crece aceleradamente y se llega a pensar que la amenaza de una guerra nuclear es inminente. La tensión dramática del momento es el telón de fondo a partir del cual se desencadenan una serie de acontecimientos que cambiarán las relaciones entre muchos de los personajes de la serie.

- Algo similar es aprovechado por Matthew Weiner para trenzar el argumento de uno de los últimos capítulos de la tercera temporada. Cuando el Presidente John F. Kennedy es asesinado en Dallas (22 de noviembre de 1963), el matrimonio de Don Draper con Betty está a punto de romperse. El sucesivo asesinato del presunto responsable de la muerte del Presidente, Lee Harvey Oswald, precipita los acontecimientos de una ruptura anunciada.

- Con la llegada a la Casa Blanca de Lyndon B. Johnson, los esfuerzos militares de Estados Unidos en defensa de Vietnam del Sur se amplifican. Comienzan a enviarse más contingentes de soldados y eso empieza a tener un reflejo en la realidad social de la época. El marido de Joan, el doctor Harris, es enviado a Vietnam para incorporarse a uno de los primeros hospitales de campaña. A medida que el conflicto bélico se extienda, mucha más gente de la agencia se verá personalmente implicada.

Mad Men, en la antesala de los Emmy

2011-09-18T19:14:00.005+02:00

La próxima noche se entregan los premios Emmy, unos galardones que distinguen a las mejores producciones televisivas de la temporada. La magnífica serie Mad Men ha conseguido hasta ahora 13 Emmy y parte, un año más, como favorita para engrandecer aún más esta lista. Veamos algunas de las claves de su éxito.

La imagen, la estética y las tendencias tienen un gran peso en nuestra sociedad desde hace siglos. A lo largo del tiempo, se observan recuperaciones o repeticiones de modas anteriores que vuelven a estar en primera línea casi de una forma cíclica.

A menudo se dice que hay épocas con modas o estéticas irrecuperables por considerarse fuera de lugar o poco reciclables en el tiempo. Es el caso de tendencias que tenemos muy presentes en la conciencia colectiva y que, en muchas ocasiones, hacen referencia a la década de los 70. También hay otros momentos que se consideran excesivamente antiguos y, por tanto, no tienen opciones de volver a estar presentes en la sociedad actual.

Pero, de vez en cuando, se observan otras tendencias que, por su propia definición, parecen perfectamente adaptables a nuestra época. Es el caso de los años 50 y 60 donde podemos detectar numerosos elementos en la imagen del momento que nos parecen bien factibles de reproducir.

Existe, además, un componente de fascinación, de atracción inmediata por una imagen, por unos usos, por un estilo glamuroso que, por la notable diferencia respecto a lo que estamos acostumbrados a ver, despierta un interés creciente. Este hecho es claramente aprovechado por todos los productos audiovisuales que localizan su acción en estas dos décadas.

Son muchos los ejemplos de películas, más o menos recientes, que están ubicadas en este momento histórico: LA Confidential, Mulholland Falls, Trece Días, El Aviador, Revolutionary Road, Shutter Island, La Dalia Negra ... etcétera.

Pero una serie de televisión sobresale por encima del resto y alcanza un nivel de significación y repercusión mayor. Se trata de Mad Men, producida por la cadena de Tv por cable AMC. Dirigida por uno de los creativos que estuvo detrás del enorme éxito de los Soprano, Mad Men es la mejor serie dramática del panorama actual y destaca por la calidad de sus guiones en paralelo a una cuidadísima puesta en escena. La caracterización de los personajes, la interpretación, el vestuario, los escenarios ... todo es de primer nivel y consigue introducirnos en una época como nunca nadie había logrado.

El creador y productor de Mad Men, Matthew Weiner, nos introduce en el mundo de los negocios de publicidad, en la década de los 60, con una perfección casi absoluta en caracterización de escenarios y vestuario. Construye un retrato de época impecable. Y, además, diseña unas tramas argumentales, unos diálogos y unos personajes que están entre lo mejor que se puede ver en el panorama audiovisual actual.

Weiner, que fue uno de los artífices del éxito de la mítica Los Soprano (HBO), tenía un argumento, desde hacía años, que era la semilla de lo que acabaría siendo Mad Men. Propuso el proyecto a HBO y a Showtime, pero ambas cadenas lo rechazaron. Así fue como llegó a una relativamente desconocida AMC, que aceptó el reto de producirla convirtiéndose en la primera serie original que programaba en su parrilla. Obtuvo un éxito de audiencia espectacular, para los parámetros de una emisora de cable, y se convirtió rápidamente en el emblema de una incipiente cadena de televisión.

Durante los años 50 y 60, en Nueva York, solían llamar Mad Men a los ejecutivos que trabajaban en publicidad. La mayoría de las empresas estaban ubicadas en la Avenida Madison. La contracción de la expresión Madison Men es la que da el título a la serie.

Un protagonista solvente: Don Draper

La agencia de publicidad Sterling & Cooper es una de las más prestigiosas de Nueva York a principios de los 60. El secreto de gran parte de su éxito comercial reside en su director creativo, Don Draper (Jon Hamm), un publicista con una capacidad innata para conocer qué es lo que busca el cliente y el consumidor. Su habilidad para los negocios permite que la agencia tenga como clientes a poderosas marcas comerciales.

Ambicioso y amoral, Draper vive una doble vida que no es más que el reflejo de una tragedia personal anterior que parece perseguirlo eternamente.

Las vicisitudes laborales y personales de Draper se mezclarán con las de los demás personajes que interactúan con él, ofreciéndonos un mosaico muy diverso de cómo era la sociedad norteamericana de los años 60.

Los Angeles Confidencial

2011-09-16T18:51:00.005+02:00

"Mickey Cohen es el jefe del crimen organizado por aquí. Lleva el fraude, las drogas, y la prostitución. Mata a una docena de personas al año y el apuesto caballerito lo hace con estilo. Siempre que sale su foto en primera página es una lacra para la imagen de Los Angeles porque cómo puede existir el crimen organizado en una ciudad que tiene el mejor cuerpo de policía del mundo !!! Hay que hacer algo pero no demasiado original porque ehhhh esto es Hollywood !!! Lo que funcionó para Al Capone funcionaría para Mickey C. Pero las cosas no van bien, encerrar a Mickey ha creado un vacío y sólo es cuestión de tiempo que alguien con pelotas de acero intente llenarlo. No lo olviden mis queridos lectores... lo han leído aquí primero, confidencial, en voz baja, y muy secretito !!!"

Sid Hudgens

Con semejante inicio es casi imposible no sentirse irremediablemente atraído por la propuesta de una película que recuperó el género del cine negro de una forma brillante y mordaz. Con un diseño de producción envidiable que te hacía respirar el Los Angeles de 1953, Curtis Hanson tejió una fabulosa trama que, teniendo como base la novela de James Ellroy, consiguió sobresalir en todos y cada uno de sus aspectos.

LA Confidential es el resultado de mezclar la crónica social de una época con el devenir de una serie de personajes, opuestos entre sí, que deberán aliarse para derribar una trama de corrupción que llega hasta las más altas esferas de la ciudad.

Para conseguir que el público se integrara como testigo de excepción, era imprescindible recrear y recuperar una serie de localizaciones de la ciudad californiana que le iban a otorgar el entorno glamuroso que el film requería al estar ambientado en la era dorada del cine hollywoodiense; cuando el star-system lucía su mayor esplendor.

Tratándose de un film policial, que iba a profundizar en los entresijos de las fuerzas del orden, la presencia del ayuntamiento de la ciudad (que está presente hasta en el escudo del departamento de policía) era poco menos que obligatoria.

El magnífico edificio del City Hall fue construido en 1928, en pleno corazón del downtown angelino. Cómo olvidar esa escena final en que Ed Exley (Guy Pearce), tras ser condecorado y ascendido por ser el único poli limpio de su comisaría, acompaña a Lynn Bracken (Kim Basinger) en su camino hacia el coche en el que la espera el magullado Bud White (Russell Crowe). Juntos iniciarán una nueva vida en Arizona, lejos de la ciudad que han ayudado a salvar.

La oficina donde Sid Hudgens (Danny De Vito) escribe y edita su gossip newspaper se sitúa bajo el globo giratorio del Crossroads of the World, en el 6671 de West Sunset Boulevard. Un centro comercial de la década de 1930, construido para parecer un transatlántico. Actualmente alberga un complejo de oficinas y ha cambiado mucho. Es un ejemplo del acierto en recreación de escenarios.

Jack Vincennes (Kevin Spacey) parece tener su vida encarrilada como el "policía de las estrellas". Él mismo se vanagloria de haber detenido a Robert Mitchum. Pero esto no es suficiente para él. Su código de vida está regido por el dinero. Y lo busca oficiando de asesor técnico para la serie Placa de Honor, y colaborando con Hudgens para "hundir a celebridades". Pero, bajo esta apariencia frívola, se esconde una faceta casi desconocida de honorabilidad. Y eso lo va descubriendo a medida que la trama va avanzando. Acaba dando el paso definitivo hacia esa nueva dirección tras pasar por uno de sus locales favoritos: el Frolic Room. Situado en el corazón de Hollywood, junto al mítico Pantages Theatre, el Frolic fue otro de los antros preferidos por las estrellas y no puede extrañar que atraiga también al policía más glamuroso de Los Angeles.

Pasamos de un local célebre entre las estrellas a otro que aún lo fue más. Se trata del Formosa Café, ubicado en el 7156 de Santa Monica Boulevard, muy cerca de los Warner Hollywood studios. Allí Bud White se encara con Johnny Stompanato y también es el escenario de una divertida escena en la que Ed Exley cree estar ante una imitadora de Lana Turner. El Formosa ha acogido a gran parte de las mayores estrellas de la historia de Hollywood a lo largo de varias décadas. Humphrey Bogart y Clark Gable eran clientes asiduos y siempre se dice que, en su interior, Frank Sinatra trató de ahogar las penas cuando su matrimonio con Ava Gardner se precipitaba al abismo.

La película incluye varias localizaciones importantes pero yo concluyo este dilatado artículo con la residencia del creador de Flor de Lís, un local cuyos servicios se explicitan con la siguiente frase: "lo que usted desee". Pierce Morehouse Patchett (David Strathairn) vive en una casa de diseño innovador que resulta ser la Lovell Health House, situada en el barrio residencial de Los Feliz. Esta casa de brillante diseño es un icono de la arquitectura californiana y surgió de la creatividad del prestigioso Richard Neutra, en 1929.